Inaugurazione   30 maggio – ore 18,30

dal 30 maggio al 24 giugno  2016

A cura  di   Francesca Orsi

Non sono volti quelli che ricama Marika Saonari in “Reticoli”, né tanto meno parole. Ma come le parole il filo dell’artista punteggia una partitura immaginaria in cui vecchie tradizioni e contemporaneità possono fondersi per creare una sorta di leggero ed ironico spaesamento. Il suo fare artistico è teso ad attualizzare il ruolo della donna nella società odierna attraverso la manipolazione e la trasfigurazione di una sua rappresentazione pregressa, di un corpus fotografico che la ritrae, nei primi decenni del ’900, sottomessa ad una figura maschile che non lasciava spazio ad altro.

Marika conferisce al ricamo sembianze geometriche, studiate e rigorose, che si caricano di tutta la potenza di una porta temporale; un mezzo che serve all’artista per aggiungere al reale dell’immagine un simbolico che la porta nell’attualità.

Dalla chiusura domestica in cui era moglie/madre/padrona di casa  la donna si trova ora ad essere lei stessa burattinaia, tessitrice di trame e di reti di potere. In un movimento dal dentro al fuori, anche tramite l’artistizzazione di un rito, il ricamo, prima solo passatempo privato  Marika Saonari con “Reticoli”, in maniera ironica e con toni frizzanti, gioca secondo l’arte della decontestualizzazione dello stile trouvè. Vecchie foto trovate ai mercatini e una tecnica dai sapori antichi come il ricamo per dare voce all’attualità, al progressivo mutamento sociale della figura femminile che l’ha condotta, nel tempo, ad impugnare le redini gioco. “Reticoli” è un progetto dalle tinte emotive, intime, ironicamente intelligente, e dalle congiunzioni ramificate come quelle della tela di un ragno.

“What Marika Saonari embroiders in “Reticoli” are neither faces nor words, but, just as with words, the artist’s thread punctuates an imaginary score in which both old and contemporary traditions fuse together in order to create a light, ironic disorientation. Her artistic modus operandi is aimed at bringing up to date women’s position in today’s society by manipulating and transfiguring their previous representations in a photographic corpus in which early 20th century women are portrayed as submitted to male figures who did not allow any space for freedom.
Marika gives her embroidery a geometrical, studied, rigorous appearance, loading it with all the potency of a time portal. Means, for the artist, to add symbology to the image, bringing it up to date.
If she used to be wife/mother/housewife in the cage of domestic life, in Marika’s artworks women are now puppeteers and weavers of power networks. With a movement from the inside to the outside, Marika in “Reticoli” turns the rite of embroidery – which used to be just a private pastime – into Art by playing ironically and cheerfully along the lines of the decontextualizing art of the readymade style. She gives voice to modernity and to the progressive social mutation of the female figure, which has seen her slowly take the lead of the game, by assembling old pictures found at secondhand markets and an oldfashioned technique, such as embroidery. “Reticoli” is an emotional, intimate and ironically intelligent project, enveloped in the intricate networks of a cobweb.

2-20 maggio 2016

A cura  di     Francesca Gallo

Fabio Pistillo (Roma, 1973) torna ad AOCF58 con un nuovo ciclo di lavori inediti, in cui si vede maturare un diverso rapporto fra pittura e immagine a stampa, fra sfondo e figura. Pistillo è un pittore che ama i grandi spazi liquidi, in cui annida le sorprese e le insidie della figurazione.

Fine del paesaggio raccoglie lavori eseguiti tra il 2015 e il 2016, in cui il collage di illustrazioni ritagliate da libri, giornali, réclame, si innesta su ampie carte dipinte. Le forme sono talvolta palesi, altre volte quasi nascoste dalla pittura che, in questo modo, agisce come un filtro, le trasforma, in maniera talvolta sorprendente, ironica, ludica.

Il mondo infantile, infatti, è spesso evocato nelle composizioni di Fabio Pistillo data la predilezione per i libri illustrati, la bella grafia, il gioco di parole latente fra forma dipinta e collage, le cancellature che si fanno a loro volta immagine, i ritagli decontestualizzati. Su tutto però campeggiano i profili di un indefinito paesaggio naturale: alberi, colline, fiori si delineano quasi inevitabilmente nel campo dipinto, suggeriti appena da qualche frammento di figurazione, contorno lineare familiare. Da qui il titolo, che allude con leggerezza alla conclusione, o forse al sopravvivere, della pittura di paesaggio?

Fabio Pistillo (Rome, 1973) returns to the AOCF58 gallery with a brand new series of previously unreleased works, in which the viewer will be able to witness the maturation of a different relationship between painting and printed image, background and figure. Pistillo is a painter who loves wide, fluid spaces in which the surprises and pitfalls of figurative representation lurk unsuspected.

A number of works produced in 2015/2016 are collected in his new exhibition “Fine del paesaggio” (End of the landscape), which features collages of images cut out of books, newspapers, and ads, grafted together on large pieces of painted paper. Shapes are at times clear, and at other times nearly hidden by the artist’s painting which thereby acts as a filter, transforming them in a way that can be surprising, ironic, and playful.

Pistillo’s compositions often evoke the world of childhood, thanks to the artist’s predilection for picture books, calligraphy, the latent puns between painted figure and collage, deletions which in turn become images, decontextualized clippings. Every piece of this world, however, is surrounded by the contours of an undefined natural landscape: trees, hills, and flowers all inevitably take shape across the painted space, just barely suggested by some fragment of figurative representation, some familiar outline. Does the title of the exhibition then make a casual allusion to the end of landscape painting, or does it hint at its survival?

La mostra Disegno / Idea raccoglie cinque artiste che per la prima volta espongono assieme in Italia: Adelaide Cioni, Elena Gravisch, Diana Legel, Juliane Schmidt e Alexandra Wolframm. Nella loro ricerca il tema del disegno ha valore metodologico, più che pratico: alcune di loro, infatti, non usano affatto matita e carta, tanto che in mostra ci sono fotografie, video, oggetti e installazioni. Disegnare equivale, in questo caso, a concentrarsi sulla percezione, dilatandone la portata per cogliere anche fenomeni poco appariscenti: gli oggetti e le situazioni si trasformano nel momento stesso in cui sono catturati dalla mente-mano dell’artista.

Se Adelaide Cioni (1976) si concentra sulla forma base del rettangolo, quella più artificiale e segno dell’attività umana, Diana Legel (1978) disegna i vuoti nello spazio esterno osservato in maniera non mirata, cogliendo le forme prima che siano riconosciute dall’intelletto: i tragitti sulla carta corrispondono a quelli dell’occhio che sonda il campo visivo secondo traiettorie irregolari, dall’esterno verso l’interno, dal primo piano all’orizzonte, a volte scartando di lato. Elena Gavrisch (1982) fa usare ai protagonisti dei suoi video il disegno per visualizzare i gesti e trattenerne la memoria, mentre Juliane Schmidt (1982) espone accanto alle stelle filanti dipinte a mano, il supporto che mantiene la traccia del procedimento pittorico, caricando il segno grafico di una dimensione temporale. Alexandra Wolframm (1971) parte da semplici sassi, di cui riproduce le apparenze prima a matita, poi con l’argilla mettendo in tensione bidimensionalità e tridimensionalità, immagine e realtà, partendo da un medesimo oggetto.

Adelaide Cioni, The Note for the Argument, 2015,
inchiostro e collage su carta, 21 x 29 cm

Elena Gavrisch, The Bow [L’inchino], 2009,
video

Diana Legel, Disegni su carta (SinistrADestra), 2015

Juliane Schmidt, Serpentine, 2014,
inchiostro su carta

Alexandra Wolframm, Sostituire le montagne, 2014,

sassi, argilla, carta

Il 6 aprile, alle 18.00, si svolgerà un incontro pubblico con le artiste, coordinato da Donatella Landi, per discutere attorno all’attualità del disegno come pratica artistica e sui lavori esposti, insieme alla curatrice e alle autrici.

Disegno I Idea prevede una seconda edizione, nella primavera del 2017, in cui la partecipazione si allargherà ad artisti italiani che condividono tali modalità di approccio alla realtà e alla pratica artistica.

“The exhibition “Il disegno come idea” brings together five artists who, for the first time, have the occasion of exhibiting together in Italy. In their research, the theme of drawing has methodological, more than practical, value: some of them, indeed, don’t even use any pencils or paper. They present their exhibition employing pictures, videos, objects and installations. The act of drawing, in this case, means being able to focus on perception, expanding its scope in order to catch even the least eye-catching phenomena. Objects and situations are transformed the moment that they are caught by the mind-hand of the artist.

Adelaide Cioni (1976) focuses on the basic shape of the rectangle, the most artificial one, the sign of human activity, while Diana Legel (1978) draws the voids the external space, when it is observed but not focused, catching shapes before they are recognised by the mind: the tracks on the piece of paper are equivalent to those of the eye that explores the visual field through irregular routes, from the outside to the inside, from the foreground to the horizon, sometimes swerving on the side. Elena Gavrisch (1982) lets the characters of her videos use drawings in order to picture gestures and to keep them in mind, whereas Juliane Schmidt (1982) exhibits hand-painted streamers associated with the support that keeps track of the painting procedure, loading the graphic sign with a temporal dimension. Alexandra  Wolframm (1971) starts with simple stones which she first reproduces by pencil, then with clay, thus creating tension between two-dimensionality and three-dimensionality, between image and reality.

A public talk with the artists, coordinated by Donatella Landi, will take place on April 6th at 6 p.m., to discuss drawing today as an artistic pratice, as well as comment on the artists’ works with both the artists and the curator.

“Il disegno come idea” is a project that also includes a second edition that will take place in Spring 2017, which will see the participation of Italian artists who share this mode of approach to reality and this artistic practice.”

La mostra, a cura e con testo di Giancarla Frare, propone per la prima volta a Roma la ricerca delle artiste Gloria Zoitl (Salisburgo) e Renate Christin  (Ratisbona). Le due artiste, che spesso realizzano progetti comuni, lavorano su tematiche antropologiche, di rapporto tra arte e geografia, non intesa come cartografia generica ma come ambito d’indagine delle dinamiche di uso dei suoli, di processi esistenziali e di relazione con ambiti e tematiche dei territori indagati. Un’arte del camminare, dell’attraversamento di soglie e confini, che si serve della fotografia, del video, del segno e della mappatura spesso analitica, ma del tutto reinventata e soggettiva, dei processi d’indagine.

Il lavoro proposto da  Renate Christin

è “LEBENS-FLUSS DONAU”.  Già esposto in molti ambiti, analizza il viaggio, fatto dall’artista dal 1999, per quattro anni e lungo 2375 chilometri, sul Danubio, imbarcandosi, unica donna a bordo, su varie navi per il trasporto commerciale. Un fiume dal percorso labirintico, la cui origine, ancora contesa tra più luoghi, si apparenta in qualche modo a una foce che disegna pur’essa una moltitudine di rami, non attribuendo a nessuno i questi il “sigillo” di una simbolica appartenenza o fine.

Fluss Donau di Renate Christin, il “suo” viaggio sul Danubio, diventa così la metafora dell’abolizione di quei confini che la vecchia Mitteleuropa aveva messo in essere.

E attorno all’idea di una “psicogeografia” si muove anche la ricerca di

Gloria Zoitl

Il suo recente lavoro  “1945-2015” tratta il tema della “fuga” dei popoli dal loro territorio e della ricerca di suoli di accoglienza. Una cartografia del possibile di una contemporaneità che ridisegna frontiere e confini.

Il lavoro di Gloria Zoitl mette in relazione la fuga che la sua famiglia ha fatto negli anni dell’ultima guerra mondiale dai territori del conflitto (1945) con le contemporanee “fughe” dalle aree dei conflitti attuali (2015).Un tempo, il nostro, dove si riparla di muri a difesa di territori e dove l’accoglienza quasi mai   significa integrazione e uguaglianza

Il “mare nostrum” appare perfino troppo piccolo per contenere ogni spoglia di chi ha fallito il viaggio.

Renate Christin è un’artista di Ratisbona, presidente del, KunstvereinGraz,  uno spazio di architettura paleoindustriale, dove da decenni si presentano mostre di arte contemporanea, con supporto ufficiale della Città di Ratisbona.

Gloria Zoitl vive a Salisburgo ed è tra i più attivi promotori di eventi d’arte che mettano in relazione operatori di aree territoriali diverse.

11 – 29  gennaio 2016

a cura di Massimo Blanco

L’arte di Claudie Laks esplora lo spazio attraverso dei moduli gestuali (e grafici) che si mantengono costanti nella produzione pittorica dell’artista. Le sue tele accolgono un reticolo di nodi grafici che coesistono e si armonizzano determinando un equilibrio che si espande o si contrae. L’armonia dei colori appare legata al tempo della percezione del dipinto, è ancorata al presente, all’esperienza dell’osservatore. Ciò non esclude che le superfici armoniche di Laks si lascino contaminare da forze disgreganti, aprendosi così a prospettive di instabilità e di mutamento. Tali forze circolano dentro la frontalità dei reticoli. Nascoste in profondità, non mancano di affiorare, per disturbare l’armonia e avviarne la trasformazione. Cosicché l’artista mette in atto una doppia temporalità, svelando l’intervallo che separa che separa gli equilibri visibili sulla tela, nell’istante in cui è osservata, dagli squilibri futuri.

Ma la rottura dell’armonia non è soltanto un evento futuro. Si lega al linguaggio, al momento in cui il gesto grafico potrebbe convertirsi in un segno leggibile. L’oscillazione tra moduli gestuali e segni può infatti alterare il tempo dell’opera d’arte, sfasare l’immediatezza con cui essa si propone e vive, deviare la percezione dall’immediatezza del vedere alla sfera intellettuale, quella del pensiero, della memoria, delle idee e delle parole.

Claudie Laks’s works explore space through gestural (and graphic) modules that are a constant with her production. Her paintings show a lattice of graphic knots which coexist and harmonise themselves, creating a balance that both expands and contracts. The harmony of colours appears to be  linked to the time of perception of the painting, it is anchored to the present, to the experience of the observer. Nonetheless, the harmonic surfaces by Laks can be contaminated by disrupting forces, thus opening up to perspectives of instability and change. Such forces circulate beneath the frontality of the lattices. Hidden in their depths, they emerge in order to ruffle the harmony again and set the change. The artist then performs a double temporality, revealing the gap between the visible balances on the canvas, the moment it is observed, and the future imbalances.

The disruption of harmony is not only an event of the future. It is linked to language, to the moment in which the graphic gesture could turn into a readable sign. The oscillation between gestural modules and signs can indeed alter the tempo of the work of art, dephasing the immediacy with which it proposes itself and lives, deviating perception from the immediacy of seeing to the intellectual sphere, the sphere of thought, of memory, of ideas and of words.

A cura  di  Francesco Pontorno

In mostra le fotografie di Nina Baratta che ritraggono la ballerina Ivana Gattei, l’imprenditrice Kiersten Pilar Miller, la pole dancer Sara Brilli, la sceneggiatrice Angelica Gallo, la showgirl Aurora Staltieri in arte Marylin, l’attrice Valeria Contadino, la doula Martina Rinaldi, l’artista Viviana Mauriello, la fotografa Margherita Figurelli, le estetiste Teresa Librico e Martina Campanella.

Ad accompagnare i “ritratti fotografici” delle protagoniste di questa mostra, i “ritratti a parole” della scrittrice Lorenza Fruci potranno essere ascoltati grazie alla tecnologia del QR Code (codice QR) che tramite la lettura di un telefono cellulare o di uno smartphone permetteranno ai visitatori della mostra di ascoltare le storie delle protagoniste fotografate.

“Lei ed io” è un progetto nato dall’idea della fotografa Nina Baratta per indagare il rapporto delle donne con la propria femminilità e per capire quanto la percezione del proprio corpo possa essere influenzata dalla società, dalla famiglia, dal lavoro. “Lei” è la femminilità ed “io” è ogni “donna” e, per rappresentare tutte le sfaccettature di questo rapporto Nina ha pensato di coinvolgere anche la scrittrice Lorenza Fruci per affiancare ai suoi ritratti “per immagini” anche dei ritratti “a parole”.

Tutte le donne protagoniste di questo progetto sono state invitate a raccontare la loro storia attraverso una chiacchierata conoscitiva, seguita da un’intervista di 20 domande uguali per tutte.

Durante il vernissage si svolgerà una performance/reading che metterà in scena le storie delle donne protagoniste della mostra.

La diversità dei linguaggi della fotografia e della scrittura hanno permesso al progetto “Lei ed io” di dare vita alla mostra e al libro“Lei ed io. Ritratti a parole e immagini della femminilità” edito da “Cultura e dintorni”.

Il libro raccoglie l’intera ricerca svolta dalle due autrici del progetto.
Nel volume sono pubblicate tutte le fotografie scattate da Nina Baratta e tutti i testi di Lorenza Fruci compresi delle interviste fatte alle protagoniste non presenti in mostra.

L’introduzione è di Michele Trimarchi, unica voce maschile fuori dal coro femminile dell’intero progetto (che ha uno sguardo femminile sul mondo femminile).
La curatela è di Giusy Emiliano.
Nel libro sono presenti anche inedite foto di backstage.

9 /27  novembre 2015

a cura di Antonello Rubini

«Naturalmente l’elemento terra fa pensare, per la sua estrema pregnanza, a molte cose, i significati a cui può rimandare non riguardano soltanto la sfera dell’arte. E in effetti sfugge sempre ad una “restrizione” di senso in un ambito, anche quando questo permette ampie e articolate argomentazioni come quello artistico.

Tutte le materie trascendono la loro mera fisicità evocando natura, storia, cultura, mai una materia non racconta di per sé qualcosa della propria esistenza (e quindi dell’esistenza in generale), anche ovviamente la più moderna e artificiale, e dunque toccando vari campi, ma ci sono materie in cui tale patrimonio è maggiore e più avvertibile, ed è indubbiamente il caso della terra, che esplorata dai sensi ci spalanca i suoi molti aspetti densissimi che ci fanno risalire fino all’evento della Creazione. Nel caso poi della terracotta, che è oggetto di questa mostra, intervengono altre caratteristiche e memorie ad ampliare ancora di più gli ambiti che la riguardano, ricapitolando peraltro nel processo costitutivo la presenza dei quattro elementi empedoclei. La terracotta porta difatti in grembo veri e propri “mondi” che affondano le radici nella notte dei tempi, e ciò rende particolarmente speciale anche la fruizione da parte dell’osservatore. (…)

Questa mostra riunisce intorno all’argomento della terracotta dieci artisti di varie generazioni, nazionalità e tendenze, tutti più o meno costantemente operanti con tale tecnica. Un momento importante di riflessione pure sulle sue possibilità creative attraverso il confronto tra posizioni diverse di ricerca. (…)».

Alberto Mingotti

Ana Hillar

Beatrice Pasquali

Bruno Ceccobelli

Cordelia von den Steinen

Enzo Rosato

Nino Caruso

Tito

Ugo La Pietra

Yasuo Kuwahara

In occasione della mostra di lavori recenti di Mario Sasso (Staffolo 1934), Tridente opere dal 2012 al 2015, Omaggio a Mara Coccia, venerdì 30 ottobre presso AOCF58 si svolgerà una conversazione attorno al ruolo storico e culturale del Tridente, cioè le strade che da Piazza del Popolo conducono verso il centro di Roma.

Tale zona, negli anni, ha modificato la propria fisionomia. Oggi, infatti, un nuovo polo di attrazione culturale si è sviluppato lungo l’asse di via Flaminia, fuori dalla Porta del Popolo con il MAXXI e l’Auditorium, nonché con una serie di gallerie e associazioni culturali che hanno arricchito la zona un tempo connotata dalla presenza della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e dagli Istituti stranieri a Roma.

Riflettono su tale cambiamento, insieme con l’artista, rileggendo anche alcuni episodi storici evocati dalla mostra Tutte le strade portano a Roma, Silvia Bordini (storica dell’arte), Franco Purini (architetto), e la curatrice, Francesca Gallo. La lettura di tali episodi sarà interpretata dall’attrice Lucia Bendia.

sabato 10 Ottobre 2015 alle ore 18,00

UNDICESIMA edizione della Giornata del Contemporaneo

Mario Sasso: “TRIDENTE – OPERE DAL 2012 AL 2015”- Omaggio a Mara Coccia

a cura di   Francesca Gallo

I lavori recenti di Mario Sasso (Staffolo 1934) dedicati a Roma, in particolare a Piazza del Popolo come centro irradiatore in senso urbano e culturale, sono esposti nello spazio indipendente e no-profit di AOCF58, a due passi da quei luoghi e dove l’artista da anni ha lo studio. Una confluenza inedita, pertanto, per l’apertura della stagione espositiva dell’Associazione Operatori Culturale Flaminia 58.

Tra i maggiori esponenti della videoarte italiana e internazionale, Sasso, dopo una formazione nelle fila della Pop Art romana, lavora a lungo per la Rai Tv, progettando le sigle e impaginando il palinsesto di RaiSat. Tale naturale interesse verso la comunicazione e la scena urbana rimane la cifra caratteristica della sua ricerca anche in queste ultime opere, realizzate a partire dallo stradario o da vedute zenitali del selciato. Su questa base, Sasso interviene con la tavolozza elettronica, creando “quadri” composti da un tessuto fitto di segni, colori, chiaroscuri che alludono al flusso materiale e immateriale che incessantemente attraversa la città.

In mostra anche Telecamera su Roma (1999) il celebre video girato passeggiando per la città, con la telecamera accesa, ma talmente indipendente dalla visione binoculare da rendere irriconoscibili i luoghi e suggerire invece soprattutto la sensazione del continuo fluire dello sguardo su cose e persone.

Nelle settimane della mostra lo studio dell’artista – sempre a Via Flaminia 58 – sarà aperto al pubblico, proprio come un’estensione dello spazio espositivo.

Evento organizzato in occasione della Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI