dal 10 al 30 /10/2026

Fabrizio M. Rossi: IN ITINERE, II

NOVEMBRE

12-27 novembre

ARTISTI VARI

a cura di Camilla Boemio

evento parallelo alla Biennale di Venezia, sullo stesso tema del Padiglione curato da Camilla: AIM Inundated, Imagining Life After Land

DICEMBRE

3-23 dicembre

ARTISTI VARI  ACCADEMIA VIA RIPETTA

A cura di Bruna Esposito

GENNAIO

GIORGIO CUTINI

fotografia

FEBBRAIO

8-26 febbraio

ARTISTI VARI ( SOPHIE BENINI)

Arazzi

A cura di Federica Luzzi

MARZO

8-26 marzo

SILVIA BORDINI

fotografia

APRILE

5-30 aprile

ARTISTI VARI  ACCADEMIA VIA RIPETTA

A cura di Beatrice Peria e Marina Bindella

MAGGIO

10-28 maggio

ROBERT LANG

A cura di Antonio Giordano

GIUGNO

7-25 giugno

ARTISTE VARIE

Performance sulla voce

AOC F58 presenta  per la VENTIDUESIMA EDIZIONE DELLA GIORNATA DEL CONTEMPORANEO la mostra di Fabrizio M. Rossi: “In itinere. Pratiche di scrittura asemica”.

La scrittura asemica, ovvero quella pratica artistica che consiste in grafie apparentemente leggibili sul piano linguistico ma in realtà composte da glifi e grafie inventate/inesistenti, si avvale di supporti e materiali i più diversi, oltre alla semplice carta.

In queste nuovissime opere di Fabrizio M. Rossi, torna (da lui già sperimentata in più occasioni) la scrittura su pietra. Rocce diverse per natura, forma e dimensioni, ospitano una grafia a volte minuta e fitta, a volte distesa, ampia: disposta a occupare tutto lo spazio disponibile.

Alcune di queste pietre provengono da Leonessa, altre da Camaldoli. Tutte, come soggetti indipendenti, individui separati, non sembrano limitarsi affatto al ruolo di superfici, ma – per via di consistenza o misure o taglio o colore – interagiscono in differenti specifici modi con i tratti neri che le attraversano, sembrando quasi cristallizzazioni di discorsi, fumetti tridimensionali di un’affabulazione che ha perso le identità parlanti umane, e – nel tempo – anche la pur minima base di significato verbale.

Testo di  Marco Giovenale

Fabrizio M. Rossi ha studiato pittura giapponese sumi-e con la maestra Toba Ikuyo, esponendo fra l’altro all’Istituto giapponese di cultura di Roma. Oltre alle basi della calligrafia giapponese – come propedeutica alla pittura sumi-e – ha fatto esperienza di vari stili di calligrafia occidentale. Dal 1990 insegna storia della scrittura, tipografia e type design in diverse accademie e università; particolarmente importante l’esperienza di insegnamento nelle carceri. È istruttore delle tre armi di scherma, disciplina che ritiene singolarmente prossima al tracciare segni, così come il tiro con l’arco e come la vela. Meditare camminando e facendo escursioni in montagna è per lui inscindibile dalla pratica dell’asemic writing. Un suo primo volume di scritture asemiche su pietra è In itinere (Cambiaunavirgola, 2025).

dall’8  al 27 giugno 2026

A cura di Camilla Boemio

dal lunedì al venerdì ore 17.00 – 19.30 (per appuntamento 3339652149” – chiuso sabato e festivi).

“Muse” è la mostra di nuove sculture in ceramica e acquarelli di Enzo Rosato.

Le opere della mostra e le installazioni site-specific interpretano le figure delle muse diramando la connessione con un linguaggio visivo che di per sé si percepisce come nutrimento.

La bellezza diventa, in questa mostra, un codice legato alla meraviglia, attivatore di tensione, frutto di un’esplorazione della ceramica condotta ai più alti livelli di sofisticazione. Le muse ritornano a essere figure protettrici, rappresentando l’ideale supremo dell’Arte. Quella “eterna magnificenza del divino” diventa una fluttuante visione estetica nella quale emerge un solido esercizio di metamorfosi, transitorietà e relatività del processo creativo.

Una costante delle variazioni che spingono le sculture di Rosato verso una continua rigenerazione è il tentativo di stabilire la gamma stroboscopica dell’essenza stessa della forma; in una moltiplicazione come pretesto per realizzare una trasformazione e giungere a un “oggetto scultoreo” in cui si continua a percepire la matrice dello stampo realizzato dall’artista. Le prove in ceramica diventano parte stessa della mostra attraverso un’idea installativa della figura della musa speculare che prende nuova vita e funzione, in un ready-made che elargisce vita a una nuova genesi.

La serie di sculture in ceramica afferma la bellezza come esigenza emotiva, piuttosto che come mera decorazione, dando vita a un’espressione di frizione tra la linea sicura, sperimentale, di Rosato e il suo bagaglio legato alla tradizione e allo studio delle forme classiche. Le installazioni pensate per lo spazio espositivo, nelle quali prendono forma le sculture, attivano nell’ambiente un’anatomia compositiva, nella quale le forme, i colori, le composizioni, i materiali rivelano un paesaggio caleidoscopico di rara armonia.

Si interfaccia, nell’allestimento, un dialogo tra il visibile e l’invisibile, tra le audaci silhouette, lo scarto e la perfezione dell’oggetto, la gestazione della creazione e il finito. C’è una densità emotiva nello spingersi sempre oltre inglobando i passaggi e scandendo un ritmo raro fatto di attese, riflessione e slancio. Le figure delle muse diventano una ripetizione articolata, ritmica: come in una danza del folklore giungono in un sodalizio in costante divenire.

In questo sillabario di anatomie, l’artista si dedica quotidianamente al disegno, realizzando opere astratte e figurative su carta che sono al contempo preparatorie, autonome e autoriflessive rispetto alla scultura. Questi schizzi delle muse testimoniano il vocabolario visivo ricorrente dell’artista. Gli studi analitici e la centralità della ricerca forniscono una visione speculare alla creazione.

La produzione di ceramiche di Enzo Rosato si esprime attraverso un linguaggio formale originale, nel quale il bagaglio assorbito e sviluppato nei decenni emerge, rendendolo immediatamente riconoscibile. Le sue interpretazioni concrete di diverse tradizioni storico-artistiche, antiche e moderne, così come la sua audace ricerca del piacere visivo, l’hanno reso un artista decisamente contemporaneo, il cui lavoro si rivela illuminante anche nei dibattiti che interessano i rapporti dell’arte con l’artigianato e con l’architettura; creando una visione radicalmente nuova di come la ceramica possa inserirsi nel contesto dell’arte contemporanea e nella scena artistica romana.

Si ravvisa, in questa  mostra, il desiderio di ricordare allo spettatore come l’arte si basa innanzitutto sul coinvolgimento umano e che ogni cosa è creata e compresa all’interno del contesto più ampio e nella struttura relazionale della società.

Pubblicato in occasione della mostra alla AOC F58, il catalogo offre un’approfondita ricognizione sulle opere di Rosato esposte in galleria, con il testo di Camilla Boemio.

dal 7 al 29 maggio

A cura di  Luigi Battisti

dal lunedì al venerdì ore 17.00 – 19.30  (per appuntamento 3339652149  – chiuso sabato e festivi)

Accumulare decenni di silenzio verde, per poi esplodere in un unico e ultimo gesto verticale: non una metafora, ma la condizione di esistenza del Maguey – Agave in italiano – la pianta ancestrale al centro della cultura messicana,che nasce da un viaggio di ricerca in Messico.

Il paesaggio naturale della regione mesoamericana si fa protagonista di un racconto visivo intimo e stratificato, costruito giorno dopo giorno come pagine di un diario pittorico.

Le opere in mostra, in gran parte dipinti di piccole dimensioni, restituiscono dettagli di natura osservata, attraversata, interiorizzata. Tracce che fanno riaffiorare il ricordo dell’incontro diretto con la potenza vibrante di quell’ecosistema, impossibile da contenere in una sola tela.

La scelta del formato ridotto vuole inoltre richiamare il gesto quotidiano dell’annotazione, trasformando la pittura in una vera e propria pratica diaristica: ogni porzione visiva agisce come frammento di un unico discorso, e l’unico modo per comprenderlo è lasciarsi attraversare dalle eco riportate dall’artista.

Dunque, frammenti di memorie di un viaggio, a cui si accompagna la raccolta di quei materiali emblematici dell’esperienza del viaggiatore, quali cartoline e francobolli.

La sovrapposizione dei diversi elementi ci pone davanti all’eterogeneità sensoriale della memoria, che si ricompone all’interno dello spazio espositivo nello stesso modo in cui una costellazione si rivela agli occhi di chi la osserva.

La pratica pittorica di Elisa Selli gioca fra un approccio figurativo e astratto, dove la natura e il quotidiano diventano la rielaborazione personale di esperienze vissute dall’artista che si traducono poi in scenari universali.

Le opere di Selli sono pitture immerse nel visibile, mediante elementi percepibili in continuo movimento, il quale si esprime come un proseguimento naturale verso la maturazione di una visione. In un continuo fluire di immaginari stratificati e densi, che nella gestualità e nella pregnanza incisiva del segno trovano la loro dimensione, l’artista immagina la superficie del quadro come uno spazio di contemplazione. Nel corso della sua pratica l’artista sceglie di guardare al mondo sensibile e naturale con un approccio femminile in una sinuosità percettibile all’occhio, ma senza attribuirne una assunzione personificata e codificata. Attraverso la pittura, alle volte accompagnata dall’installazione, l’artista ricerca una visione del mondo dilatata e fluida che risulta ammantata di un continuo susseguirsi di immagini reali ma che sfumandosi si trasformano in immaginari onirici.

Elisa Selli studia in modo ricorrente l’elemento naturale come strumento di visione alternando la ricerca fra un’analisi microscopica e macroscopica di scenari vissuti e che lei stessa reinterpreta.

Si serve della pittura per ricreare una dimensione sinergica fatta di campi di forze diversificate e tensve che spingono lo spettatore a riflettere sulla natura del visibile e del reale, servendosi della Natura stessa attribuendone un valore simbolico e archetipico.

Elisa Selli − Linktree

elisa.selli@gmail.com

Atelier sita in Via Cairoli, 63 − 00185 Roma

Presentazione del Libro/Cofanetto e Proiezione del Video (durata: 00:24;59 minuti),

A cura di  Federica Luzzi e Naoya Takahara

Patrocinio   Istituto di Giapponese di Cultura di Roma e Fondazione Italia – Giappone.

Evento di unica serata: Monica Vacca dialoga con i curatori Federica Luzzi e Naoya Takahara

Introduce Irene Ranzato

“Quel che non puoi vedere / Tentativi di visione 試行、イメージへ” è la restituzione in forma cartacea (di cofanetto) e in forma di video di quanto emerso grazie all’omonima performance ideata da Federica Luzzi e Naoya Takahara con Flavio Arcangeli, Melissa Lohman, Simone Pappalardo, Marcello Sambati, Pasquale Polidori nello spazio espositivo AOC F58 di Roma nel 2022, al cui centro c’è il particolare acustico del pavimento in legno di AOC, che ricorda “uguisubari”, il pavimento dell’usignolo, presente in molti antichi templi e residenze nobili giapponesi: grazie a un sistema di morsetti e chiodi, ogni volta che le travi vengono calpestate producono un suono simile al canto di questo volatile, avvisando i residenti che qualcuno è entrato.

Un’immersione inedita nella cultura giapponese in dialogo con quella occidentale.

Nel luogo in cui tutto ha avuto inizio, dopo 4 anni si affacciano nuove riflessioni.

[…] Carl Gustav Jung afferma che l’oggetto-libro I Ching «è una sorta di essere animato», personificato, con cui poter instaurare un dialogo fatto di interrogazioni e risposte. Queste ultime, prosegue Jung, giungono e risiedono nei misteriosi spiriti che costituiscono l’anima vivente del libro, pertanto egli immaginò potesse essere interessante vedere il libro dell’I Ching in azione. La stessa cosa vale per la pavimentazione, pensai io […]. Luzzi, F., in “Quel che non puoi vedere/Tentativi di visione 試行、イメージへ”.

Il cofanetto “Quel che non puoi vedere/Tentativi di visione 試行、イメージへ” raccoglie, oltre ai contributi degli artisti ideatori Federica Luzzi e Naoya Takahara, quelli di Gabriella Dalesio, Giuseppe Garrera, Alex Kerr, Monica Vacca, e degli artisti coinvolti – Flavio Arcangeli, Melissa Lohman, Marcello Sambati, Pasquale Polidori. Il cofanetto invita il lettore ad associare liberamente i vari materiali: oltre al libro, 22 foto, 3 haiku di Bashō e 3 racconti tradizionali giapponesi.

A fine serata ci sarà una degustazione di tè sencha accompagnato da senbei biologici (cracker di riso giapponesi).

Federica Luzzi

nata a Roma nel 1970. Laureata in Lettere all’Università degli Studi di Roma “La Sapienza” con tesi su Magdalena Abakanowicz, si diploma e si specializza in discipline tessili quali la tecnica di annodatura macramè e la tecnica dell’arazzo tradizionale e a rilievo, tridimensionale studiando in Ungheria, Polonia, Romania. Da molti anni ha messo a punto un suo personale metodo didattico sperimentando l’uso del telaio verticale e di materiali non convenzionali. Dal ’97 concentra l’attenzione sul tema del “seme” e si dedica alla scultura sospesa e alla sua forma aerodinamica. Espone le sue opere presso Central Museum of Textile-Łódź, Musée Jean Lurçat and Contemporary Tapestry-Angers, Museum Alvar Aalto of Central Finland, Archivio Enrico Crispolti di Roma, e presso Brown Grotta Gallery di Wilton (USA), LADS Gallery di Osaka (Giappone), La Nuova Pesa e la Biblioteca Vallicelliana di Roma. Importanti nel suo percorso i progetti svolti in collaborazione con alcuni danzatori giapponesi Butoh e diversi altri artisti, realizzati per luoghi di interesse storico – artistico. Dal 2019 una sua opera fa parte della Grotta House realizzata da Richard Meier. Ha vinto il Premio Montrouge 2015.

Naoya Takahara

nato in Ehime, Giappone nel 1954.

Dopo essersi laureato in discipline artistiche nel 1976 alla Tama Arts University of Tokyo con Lee Ufan, inizia

viaggiare in Europa, stabilendosi poi definitivamente a Roma. È la cultura italiana dei primi anni ’60 a fornirgli i principali punti di riferimento artistici: Giulio Paolini, Piero Manzoni, la cosiddetta Scuola di Piazza del Popolo, in particolare le figure di Sergio Lombardo, Maurizio Mochetti, Francesco Lo Savio. Fin dagli anni ’80 espone in numerose mostre ed eventi sia in Italia che all’estero. Negli ultimi anni presso LADS Gallery di Osaka (Giappone).

Ha tenuto workshop alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università di Studi di Roma “La Sapienza”, Università degli Studi della Tuscia, Accademia di Belle Arti di Roma. Ha partecipato come relatore di conferenze all’Università degli Studi della Tuscia, Accademia di Belle Arti di Roma, Università degli Studi di Roma “La Sapienza”, Facoltà di Scienze Politiche Sociologia e Comunicazione, Museo Pierelli di Bomarzo, Real Academia de Espagña a Roma, Tama Arts

University di Tokyo. Nel 1996, riceve il Premio Trevi FlashArt Museum. Collabora con la rivista  DRY Magazine (Milano, Londra).

Monica Vacca

vive e lavora a Roma.

Psicologa, psicoterapeuta e psicoanalista membro della Scuola Lacaniana di Psicoanalisi (SLP) e dell’Associazione Mondiale di Psicoanalisi (AMP). Da maggio 2024 è membro del Consiglio di Amministrazione della SLPcf  ed è responsabile della rivista digitale Rete Lacan. Da giugno 2024 è membro del comitato scientifico della rivista attualità Lacaniana. È stata responsabile della rivista della SLP, attualità Lacaniana da giugno2019 agiugno 2022. Dal 2016 al 2019 è stata la Segretaria Nazionale della Scuola Lacaniana di Psicoanalisi. Collabora come docente e docente tutore con l’Istituto Freudiano per la clinica, la terapia e la scienza. Dal 2003 collabora con la redazione de La Psicoanalisi. Studi Internazionali del Campo freudiano. Ha collaborato come redattore alla rivista digitale della SLP Appunti.

Dal 2000 al2014 halavorato presso l’Ospedale Israelitico. Dal 2014-2024 è stata consulente esperta di Medicasa Spa.

Dal 2009 fa parte dell’équipe ed è membro del comitato scientifico del Consultorio di Psicoanalisi Applicata “Il Cortile”, una delle associazioni della Casa Internazionale delle Donne di Roma.

Nel corso della sua esperienza lavorativa ha scommesso sulla funzione sociale e culturale della psicoanalisi nella civiltà contemporanea. Una ricerca costante sulle nuove forme del sintomo e sulle nuove forme di disagio della civiltà l’ha vista impegnata nelle politiche della salute mentale e nelle diverse forme di sofferenza che abita l’universo femminile.

Si interessa da diversi anni al tema della violenza di genere. Ha fatto parte di diversi progetti nazionali e internazionali per la prevenzione e il contrasto della violenza maschile contro le donne e i bambini. Dal 2016 anni tiene un “Laboratorio di parola e di scrittura con sex offenders e uomini autori di violenza nella sezione protetta di Regina Coeli. Dal 2022 al 2025 è stata la responsabile del progetto Codice rosso di parola con l’UIEPE (ufficio interdistrettuale esecuzione penale esterna) di Roma. Dal 2018 è supervisore del Centro antiviolenza Ananke di Pescara. Ha partecipato come relatrice a diversi congressi nazionali e internazionali, seminari, conferenze e dibattiti.

Da diversi anni si occupa di psicoanalisi e arte, ha intervistato artisti, ha scritto per cataloghi, è intervenuta a talk, ha fatto lezioni nel corso di Psicologia dell’arte dell’Accademia di Belle Arti di Roma (prof.ssa Miriam Mirolla).

Ha pubblicato articoli su riviste nazionali e internazionali del Campo freudiano, è coautrice dei libri Cinque pezzi difficili. Incontri con la psicoanalisi (Alpes 2016) e Parole minori (Rosenberg & Selier 2017).

Il libro è stato realizzato con il sostegno di AOCF 58, COME, Il Giardino del Tè, la legatoria, L’Orto di Fabiana, Tofu Bio Otani.

23 marzo 2026 ore 18.00 – 20.30

dal  23 marzo  al 2 aprile 2026

A cura di  Marina Bindella e Beatrice Peria

dal lunedì al venerdì ore 17.00 – 19.30  (per appuntamento 3339652149  – chiuso sabato e festivi)

La ricerca di Silvia Spoti indaga il concetto di confine non solo come delimitazione geografica ma come costruzione culturale e politica. Attraverso la manipolazione di atlanti e mappe – incise, deformate e sovrapposte – l’artista mette in discussione la stabilità dei tracciati territoriali, rivelandone la fragilità e l’arbitrarietà. Nelle Non metrie, la carta viene trattata come materia scultorea e le proporzioni dei territori diventano fluide, alludendo anche a luoghi di conflitti spesso rimossi dal discorso mediatico occidentale.

La riflessione sul limite assume una dimensione storica e simbolica nell’installazione Ad Artemisia Gentileschi, dedicata ai 184 giorni del processo per stupro subito dalla pittrice seicentesca: 184 sanpietrini in cera, modulati cromaticamente, traducono il tempo giudiziario in memoria visiva ed emotiva.

Biografia

Silvia Spoti nasce nel 1993 in provincia di Lecce. Da sempre appassionata di Arte e Letteratura, consegue nel 2012 la Maturità Classica. Dopo aver alternato

studio e vari lavori part-time, nel 2020 consegue il Diploma di I livello in Decorazione all’Accademia di Belle Arti di Lecce. Attualmente frequenta l’Accademia di Belle Arti di Roma, dove si sta diplomando al Biennio di Decorazione. L’interesse per gli studi umanistici fa si che la sua ricerca artistica assuma una forma di indagine conoscitiva della realtà contemporanea, ed allo stesso tempo una forma di espressione sincera di una verità soggettiva ed emozionale. Conosce e pratica le tecniche del disegno, della modellazione dell’argilla, del gesso e della cera. Il contatto con la materia è per lei una necessità, il modo migliore per entrare in relazione con ci. che ci circonda, e con l’Altro.

Mostre collettive:

2020 – «Flash Exhibition #1 “Πῦρ. E venne il fuoco. Dopo il confinamento», in collaborazione con «Le ali di Pandora»,       presso la sede in via Massimiliano Kolbe,Lecce

2022 – «Diversi ma uguali», a cura di Maria Teresa Padula, presso Palazzo Besso, Roma

2023 – «Carta», in collaborazione con ABA Roma e Giorgia Rissone, presso Piano Terra Vertecchi, Roma

2023 – «1:10», a cura di Claudio Libero Pisano e Roberto Pietrosanti, presso La Nuova Pesa, Roma

2023 – «Artèuropa, Giovani artisti per il futuro dell’Europa», in collaborazione con ABA Roma e Ragnarock, presso Europa Experience – David Sassoli, Roma

2023 – «XVII Premio nazionale delle Arti», presso Palazzo del Medico, Carrara

2024 – «Met Sapienza», in collaborazione con ABA Roma e Sapienza Futura, a cura di Roberto Pietrosanti, presso Museo dell’Arte Classica, Roma

2024 – «XVIII Premio Nazionale delle Arti», presso Fondazione Brodbeck, Catania

2024 – «A punt per commencar», presso Sant Pau, Barcellona

Si rinnova per il terzo anno consecutivo la collaborazione tra la storica galleria romana, A.O.C. F58, da sempre attiva nello scoprire e promuovere artisti emergenti e nuove voci dello scenario contemporaneo, e l’Accademia di Belle Arti di Roma, luogo di eccellenza nella formazione artistica italiana e vivaio di giovani talenti.

 Il primo appuntamento della rassegna 2025/2026 è  stato Pianissimo, mostra personale di Giulia Barone, giovane fotografa, diplomata al Biennio di Fotografia e Grafica all’Accademia di Belle Arti di Roma.

La mostra è stata aperta dal 12 al 21 marzo ed è accompagnata da una brochure con testi di Marina Bindella, Beatrice Peria e Andrea Attardi, realizzata con il contributo dell’Accademia di Belle Arti di Roma. Le mostre sono parte del Progetto di Produzione artistica della Scuola di Grafica d’arte.

Questo  secondo appuntamento, dal 23 marzo al 2 aprile, ospita la mostra S-Confini, personale di Silvia Spoti, già diplomata al Triennio della Scuola di Decorazione, e adesso diplomanda sempre presso il Biennio di Decorazione dell’Accademia di Belle Arti di Roma.

12 marzo 2026 ore 18.00 – 20.30

dal 12 al 21 marzo 2026

A cura di  Marina Bindella e Beatrice Peria

Testi di  Marina Bindella, Beatrice Peria e Andrea Attardi

dal lunedì al venerdì ore 17.00 – 19.30  (per appuntamento 3339652149  – chiuso sabato e festivi)

Il titolo della mostra, Pianissimo, rispecchia il tempo lungo che caratterizza il lavoro e la poetica di Giulia Barone: la lenta elaborazione e realizzazione dei progetti; la scelta della fotografia analogica e di tecniche e processi di stampa fotografica tradizionali; le sperimentazioni di procedimenti antichi, nella calibrata e sapiente ricerca di un risultato in cui le immagini possano avere il tempo di emergere lentamente e di trovare la giusta definizione. La ricerca poetica e quella tecnica coincidono in questa volontà di indagare e approfondire le cose, i ritmi del mondo, ma anche le tradizioni e i racconti che le circondano e le avvolgono in un’unica trama.

Più che di singole foto, dobbiamo infatti parlare di complessi e articolati progetti che si sedimentano e si rivelano nelle immagini, mettendo in luce un’indagine meticolosa della materia e delle sue trasformazioni, in cui l’osservazione della natura spesso si ammanta di risonanze antropologiche, perché il tempo è una sostanza stratificata che contiene in sé anche le tracce di tutti i tempi passati, la memoria dei luoghi e delle persone che li hanno abitati.

Biografia

Giulia Barone si esprime attraverso la tecnica fotografica analogica argentica e ferrica e le installazioni. Diplomata alla triennale all’Accademia di Belle Arti di Roma in Decorazione, ha poi conseguito il diploma di secondo livello in Grafica e Fotografia con lode nel 2021 nella stessa sede. Contemporaneamente nel 2018 ha studiato, attraverso il progetto Erasmus+, presso la Faculdade de Belas-Artes de Lisboa, in Portogallo. Dal 2022 è stata tecnico di laboratorio per la scuola di Fotografia e Camera Oscura e, ad oggi, è anche cultrice del Corso di Fotografia presso l’Accademia di Belle Arti di Roma.

Oggi vive e lavora a Roma nel suo studio/camera oscura.

Si rinnova per il terzo anno consecutivo la collaborazione tra la storica galleria romana, A.O.C. F58, da sempre attiva nello scoprire e promuovere artisti emergenti e nuove voci dello scenario contemporaneo, e l’Accademia di Belle Arti di Roma, luogo di eccellenza nella formazione artistica italiana e vivaio di giovani talenti.

 Il primo appuntamento della rassegna 2025/2026 è Pianissimo, mostra personale di Giulia Barone, giovane fotografa, diplomata al Biennio di Fotografia e Grafica all’Accademia di Belle Arti di Roma.

La mostra sarà aperta dal 12 al 21 marzo. La mostra è accompagnata da una brochure con testi di Marina Bindella, Beatrice Peria e Andrea Attardi, realizzata con il contributo dell’Accademia di Belle Arti di Roma. Le mostre sono parte del Progetto di Produzione artistica della Scuola di Grafica d’arte.

Il secondo appuntamento, dal 23 marzo al 2 aprile, ospiterà la mostra S-Confini, personale di Silvia Spoti, già diplomata al Triennio della Scuola di Decorazione, e adesso diplomanda sempre presso il Biennio di Decorazione dell’Accademia di Belle Arti di Roma.

dal 9 febbraio al 28 febbraio 2026

A cura di          Antonio Giordano

De Rebus Naturae prende forma nel cuore dell’Antropocene, nel momento di frattura in cui l’equilibrio tra uomo e ambiente si incrina lasciando emergere una nuova geografia del mondo. La mostra non cerca colpevoli, non formula diagnosi: si propone come uno strumento concettuale che, attraverso le opere esposte, registra tensioni, mutamenti e metamorfosi di una trasformazione ancora in atto. È uno sguardo rivolto a ciò che sta cambiando e a ciò che, forse, è già mutato senza possibilità di ritorno.In questo tempo sospeso, la natura abbandona il ruolo di sfondo e si rivela come corpo, memoria, superficie sensibile. Le opere si configurano come eco materiali di un presente frammentato: reperti immaginari che conservano tracce di un mondo ferito dall’intervento umano, ma anche manifestazioni della forza autonoma della materia, capace di deformarsi, rigenerarsi e riaffiorare in forme inattese. Ogni lavoro agisce come una lente sul “dopo”: il momento immediatamente successivo al danno, il punto in cui l’impatto umano si ritrae e lascia emergere ciò che sopravvive, ciò che resiste, ciò che continua a trasformarsi.

L’Antropocene, con le sue accelerazioni e derive, porta con sé un’eredità complessa: materiali ibridi, ecosistemi alterati, infrastrutture disseminate nella terra, nelle acque e nell’aria. In questo scenario non vi è catastrofismo né nostalgia, ma la consapevolezza di trovarsi in un territorio nuovo, dove i confini tra naturale e artificiale si sfumano fino a generare forme di esistenza inedite. È in questo contesto che sculture e arazzi acquisiscono senso.

Le sculture Arsa Mater, Muta Mater e Mutans Mater si presentano come totem arcaici, presenze monumentali dai volumi essenziali che evocano l’archetipo della Grande Madre. Raccolgono un senso di origine e di forza primordiale, trattenendo il respiro di tempi remoti e rendendo visibile la tensione tra vita, trasformazione e permanenza.

L’arazzo Vulnera Mater – la Madre delle ferite – è un grande cerchio tessuto da corde intrecciate che incidono la superficie come una trama di cicatrici. La topografia irregolare che ne emerge evoca una mappa simbolica del mondo contemporaneo: tracciati umani sovrapposti che ridisegnano e consumano la pelle della Terra. L’opera diventa così un archivio della memoria, una pelle che trattiene ciò che è stato plasmato, sfruttato, segnato. Il secondo arazzo, Consumpta Mater, è realizzato come un patchwork di sacchi di juta provenienti da diverse aree del mondo, ricuciti con corde-sutura che attraversano la superficie. Le irregolarità delle trame raccontano economie distanti, filiere globali, pressioni produttive e industriali impresse nel tessuto come cicatrici di un sistema che consuma senza tregua. In Grembo Matris rappresenta infine un corpo simbolico, modellato come una guepière, che accoglie nel proprio ventre frammenti eterogenei: plastiche deformate, legni levigati dall’acqua, detriti naturali e scarti industriali. Da questa fusione inattesa nasce un organismo ibrido, una materia che sembra inaugurare un nuovo linguaggio, un sistema che muta annunciando un cambiamento profondo.

In De Rebus Naturae la forma non descrive, ma rivela. Mostra ciò che la Terra trattiene, ciò che sopravvive, ciò che muta. È la visione di un’artista che affida alla materia il compito di testimoniare e insieme reinventare il passaggio dell’umanità: una materia che si compone e si decompone, generando possibilità inedite di esistenza. Una metamorfosi continua, inquieta e silenziosa, che rivela il lavoro instancabile della sostanza del mondo: un processo ininterrotto di rigenerazione e perdita attraverso cui la

9 gennaio, ore 18,00, “artist’s talk”, l’artista presenta le sue opere

Sorprendentemente questa è la prima mostra in galleria dell’artista visivo Donald Fels a Roma, dopo una mostra personale al MAMbo di Bologna nel 1986 e un’altra all’American Academy nello stesso anno. Fels ha trascorso gli anni successivi ricercando e creando arte in tutto il mondo, esplorando una moltitudine di materiali naturali.

Americano, lui e la moglie architetto Patricia Tusa Fels vivono da decenni nel Pacifico nord-occidentale. Ha vissuto creato ed esposto le sue opere anche, in Asia, in Europa e in altre regioni degli Stati Uniti.

Il suo lavoro è stato sostenuto da commissioni, musei, fondazioni, residenze e borse di studio, tra cui tre Fulbright per Italia, India e Uzbekistan. Le sue opere sono presenti in collezioni di tutto il mondo.

Quando Fels arrivò per la prima volta in Italia, sessant’anni fa, rimase immediatamente affascinato dal colore e dalla consistenza dei muri in rovina e dalla bellezza dei manifesti sbiaditi  che vi erano  affissi.

Quella visione lo riportò a Roma nel 1978 per sei mesi.

Tornato negli Stati Uniti con fotografie di muri e una collezione di manifesti murali abbandonati, fondò See-Through, un gruppo che realizzava performance di diapositive e suoni lungo la costa occidentale con le immagini da lui fotografate e utilizzava le carte in una serie di collage/dipinti di grandi dimensioni.

Oltre a Roma e Bologna, ha completato progetti italiani a Favignana, Bagnoli e Trieste.

Ha collaborato con poeti, ingegneri, registi, archeologi, musicisti, geografi, drammaturghi, fisici, costruttori di lenti, architetti, altri artisti visivi e ricercatori in tutto il mondo.

Da 14 anni i Fels hanno una casa e uno studio in Puglia, dove trascorrono metà dell’anno.

Una volta che ha iniziato a mettere radici pugliesi, Fels si è reso conto rapidamente che quelle viscere avrebbero dovuto farsi strada attraverso la pietra calcarea.

Con l’intenzione di dipingere in Puglia, si rivolse all’intonaco di calce: calcare macinato. Imparò da autodidatta l’antica arte dell’affresco, utilizzando sempre calce con pigmenti integrati, che impiegava su legno di pioppo, come facevano gli artisti rinascimentali di 500 anni fa. La differenza più evidente è che l’opera di Fels non è figurativa.

Nei suoi dipinti e nelle sue opere su carta, Fels esplora il tempo e lo spazio in modo non lineare e non oggettivo. Vede la sua arte come un pensare e sognare a colori.

Fels ha conseguito una laurea triennale in Arte, Letteratura e Storia dell’Arte presso la Wesleyan University e una laurea magistrale presso la City University.

Ha inoltre studiato presso l’Università di Washington, il San Francisco Art Institute e il Pratt Institute.

Ha esposto a Vancouver, Seattle, Tacoma, Portland, San Francisco, Los Angeles, Chicago, Boston, New York, Michigan, New Orleans, Parigi, Prato, Bologna, Trieste, Cisternino, Tashkent, Penang, Kochi, Delhi, Mumbai e Phnom Penh.

Ha lavorato nel teatro, nel cinema, nella musica e nell’editoria

Nel 2024 le Edizioni Esperidi pubblicano la monografia unfolding, che si snoda attorno al lavoro di Fels in Puglia, dove l’artista lavora e trascorre con la famiglia la metà dell’anno.

Carmelo Cipriani, critico d’arte, scrive del lavoro di Fels: “La sua è l’antica tecnica dell’affresco applicata a supporti delle stesse dimensioni di una tela. Lacerti ragionati in cui la casualità, l’accadimento della storia – che in questo caso si identifica con il gesto dell’artista – interviene a definire la superficie pittorica su cui si combinano apposizioni e cadute, segni e graffi, in una stratificazione che è vitale ed esistenziale, oltre che cromatica.”

27 novembre 2025 ore 18.00 – 20.30

Una sola serata

Marco Robustelli e Marco Steiner

“Nella musica del vento. Viaggio attorno a un graphic novel”

Marco Steiner e Giovanni Robustelli tornano da una spedizione:

Hanno raccolto mappe, taccuini. tavole originali, fotografie e oggetti di viaggio che hanno dato vita alla storia di Morgan Jones.

Un percorso immersivo dentro la Patagonia. le sue voci, le rotte segrete, i banditi, il vento, e le immagini che hanno ispirato la nascita del libro.

Dove finisce la terra, comincia il racconto.

Nato nel 2021 come romanzo Salani di Marco Steiner, “Nella musica del vento” diventa un graphic novel con Cong Edizioni. Dopo il primo volume “Lontano non esiste” arriva la seconda e conclusiva parte “All’ombra di nessun Dio”. Riusciranno Morgan e Maria a fuggire da un destino che sembra già scritto?

Seconda e conclusiva parte (dopo “Nella musica del vento -volume 1, Lontano non esiste” di questa avventura alla fine della fine del mondo tra la Patagonia e il nulla in cerca della libertà o, forse, di una storia d’amore.

Dopo essere stato gravemente ferito, Morgan Jones viene salvato da una donna sciamano Tehuelche che gli insegnerà ad ascoltare le voci della natura. Due incontri aspettano Morgan nel suo viaggio verso la libertà: Maria, una ex prostituta polacca, e Aurelio , un marinaio anarchico italiano. Inizia così, dopo le ventose distese della pampa, la seconda parte dell’avventura che porterà questi tre ribelli nelle gelide acque dell’estremo sud della Terra del Fuoco alla ricerca di un misterioso tesoro tedesco. Navigazioni solitarie, tempeste, incontri con velieri fantasma, agguati e fughe, la lotta per la sopravvivenza continua e ancora una volta, grazie all’in- contro con le popolazioni locali, i protagonisti capiranno che per continuare il cammino serve l’ascolto e il rispetto della voce della natura e degli uomini che sanno parlare con il vento.

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