decima edizione della Giornata del Contemporaneo

Nell’ambito della decima edizione della Giornata del Contemporaneo - iniziativa promossa annualmente dall’AMACI (Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani) – l’AOCF58 inaugura sabato 11 ottobre 2014 ore 18.00 la mostra fotografica Forme della Natura .

A partire dal 2010, la natura diventa oggetto della ricerca fotografica di Patrizia Bonanzinga che oggi propone un concentrato del suo lavoro sotto il titolo Forme della Natura.

La questione della forma tra arte e natura è da sempre oggetto di riflessione. L’immersione nei boschi del nord dell’Europa, dove la fotografa ha avuto modo di vivere, le ha permesso di mettere a fuoco un’idea di natura che si mescola con quella dell’arte.

Bonanzinga costruisce immagini sia analogiche, usando i panoramici negativi della Hasselblad XPAN, che digitali, nel tentativo di raffigurare l’incanto della natura all’interno di un sistema duale, dove l’arte è essa stessa natura e dove, parallelamente, è la natura stessa a rivelarsi come forma d’arte.

Cercando di proporre una sintesi, Patrizia Bonanzinga presenta, oltre al lavoro analogico delle fotografie di Hallerbos, stampate su tela, un portfolio del suo lavoro digitale, nel quale la natura diviene l’oggetto di una manipolazione numerica. Qui lo scarto tra reale e verosimile (o, al contrario, tra irreale e verosimile) operato tramite la tecnica del montaggio, costantemente rilanciata dal suo perfezionamento, apre a un possibile superamento del dualismo che è al centro della sua riflessione.

www.patriziabonanzinga.com

#026 Hallerbos – Belgio 2010

In the occasion of the tenth Giornata del Contemporaneo (Day of Contemporary Art) – an event promoted every year by AMACI (Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani), – on Saturday 11th October 2014 at 06:30PM, the photography exhibition Forme della Natura will open at AOCF58.

Since 2010, nature has become the subject of Patrizia Bonanzinga’s photographic research. With this show, she presents a selection of her works under the heading Forme della Natura (Forms of Nature).

The question of the overlap of aesthetic and natural forms has long been topic of thinking. Her immersion in the woods of North Europe, where she had the opportunity to live for a time, allowed her to focus on an idea of nature that mixes up itself with that of art.

Bonanzinga creates both analogical images – she uses the panoramic negatives of the Hasselblad XPAN camera – and digital images. She tries to elicit the enchantment of the nature from within this dual system where nature is itself art and where, at the same time, nature it discloses itself as form of art.

In her attempt to synthesize this duality, Patrizia Bonanzinga shows, in addition to the analogical photographs of Hallerbos printed on canvas, a portfolio of her digital work in which nature becomes the object of a digital manipulation. Here the gap between reality and the plausible (or, on the contrary, between unreality and the plausible) produced by means of montage, is constantly reintroduced as at the same time it opens the possibility of overcoming the dualism that is focus of her research.

00. Foret de Soignes – Bruxelles – marzo 2013

01. Bois de la Cambre – Bruxelles – gennaio 2014

Patrizia Bonanzinga (Bolzano, 1954). Matematica e fotografa, fino al 1995 ha lavorato come ricercatrice nel settore delle telecomunicazioni. Ha vissuto in più riprese all’estero in diversi Paesi (Algeria, USA, Francia, Cina e Belgio). Ha collaborato come giornalista per riviste specializzate e ha tenuto corsi in ambito universitario. Ha esposto diverse mostre, sia personali sia collettive, in Italia e in USA, Cina, Russia, Polonia, Spagna, Mozambico, Francia, Belgio e Portogallo. Nel 2003 per FotoGrafia-Festival Internazionale di Roma, ha curato tre mostre: Collettività Cinesi, esponendo i lavori di Xing Danwen, Han Lei, Tie Ying, Zhang Dali e Gao Brothers; Shi Ma? di Bertrand Meunier; Made in China di Rhodri Jones. Le sue fotografie sono inserite nelle collezioni della GNAM (Roma, Italia), della House of Photography (Mosca, Russia), del MAXXI (Roma, Italia), del Centro di Documentazione e di Formazione Ricardo Rangel (Maputo, Mozambico) e in collezioni private. Ha pubblicato: The Road to Coal (Hopefulmonster, Torino 2004), RITROVI (Maschietto, Firenze 2007), L’Altra Infanzia (UNICRI, Torino 2009) e Time Lag (Damiani, Bologna 2011). Il suo lavoro si sviluppa secondo due piani distinti: da una parte realizza reportage impegnati in territori sensibili, usando le classiche tecniche analogiche, dall’altra si interroga sulla relazione tra fotografia e realtà costruendo dei medi formati digitali dove le immagini sono tagliate e rimontate esprimendo una nuova realtà.

Curata da Andrea Romoli Barberini, l’esposizione presenta, tra pitture e sculture, circa 12 opere, di diverse tecniche e formati, realizzate dall’artista dal 2013 ad oggi.

Scrive il curatore nel testo di presentazione della mostra: “Nel pur evidente rigore che da sempre connota la ricerca di Sebastiano Dammone Sessa sopravvive, sin dai suoi esordi, una misurata componente calda, evidentemente minoritaria, ma sufficiente a sottrarre i suoi manufatti dall’aura algida del minimalismo.    

Un calore ben dosato che si è espresso in modi diversi, dapprima attraverso una stesura pittorica viva e vibrante, che evitava le stesure piatte per eludere l’inevitabile silenzio delle frequenti superfici monocrome, poi con l’utilizzo di materiali vergini, la cui epidermide, spogliata dei pigmenti, presentava null’altro che il brusio delle sue trame originarie, nelle varietà tonali, talvolta appena percettibili, magistralmente orchestrate nei diversi aggetti dei piani.

E se più tardi i bianchi sporchi e i grigi delle superfici si affollavano di segni diversi, come dettati ora dall’ordine, ora dal caos, per rimanere imprigionati nella spessa materia diafana delle resine che li copriva senza celarne i percorsi, ma esaltando l’umana imperfezione dei profili dei supporti, recentemente, il passaggio dal piano al volume, come imposto dalla pressione esercitata dalle colle sulle superfici, ha evidenziato nella ricerca dell’artista la centralità di concetti quali tensione, estensione e instabilità.

Ed anche nell’evidenza volumetrica di questi nuovi elaborati, Dammone Sessa resta sostanzialmente pittore.

 Lo dimostra, prima ancora dell’uso del colore, sempre dosato con parsimonia in misurate campiture che risparmiano abbondanti zone di superficie spoglia, la prassi esecutiva di questo nuovo ciclo.

Perché, anche qui, tutto nasce dal piano, dalla ponderata definizione della sua irregolare sagomatura geometrica e dai segni incisi che lo solcano e ne suggeriscono le possibili evoluzioni stereometriche. Un’evoluzione, dal piano al volume, come imposta dall’ideale pressione esercitata dallo spazio circostante e sottolineata dalla tensione degli elastici, che sembrano fermare la forma nel punto di equilibrio, dall’incerta stabilità,  in cui la resistenza della struttura, cede e si adegua, senza fratture, in un’umanissima provvisorietà, alla forza che la comprime”.

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Notizia biografica

Sebastiano Dammone Sessa nasce nel 1981 a Montreux (EE), frequenta l’Accademia di Belle Arti di Catanzaro dove consegue il Diploma in Arti visive e discipline per lo spettacolo, con indirizzo Decorazione. Ad oggi è docente presso l’Accademia di Belle Arti di Macerata. Intensa è la sua partecipazione in questi ultimi anni ad importanti mostre, tra le più significative: “Sulle orme di Marco Polo, cento pittori italiani dipingono Hangzhou”, a cura di Assoartisti – Confesercenti e Hangzhou Cultural Brand. Progetto comunitario Italia – Cina realizzato nel 2011. Adriatica la via dell’arte, Antichi Forni (MC); Pietra arte e fuoco, Corinaldo (AN); Kranio, venticinque giovani artisti italiani, Museo MUST (LE); Concordia, Premio Basilio Cascella, Delizia Estense del Verginese (FE); Nodidaria, Galleria Galeotti (MC); Oltre il ponte, Fondazione Orestiadi di Gibellina (TP); In fieri, Palazzo Ducale di Massa Carrara; La Terra ha bisogno degli uomini, Reggia di Caserta; Premio Nazionale delle Arti 2007 (primo classificato Decorazione), Le Ciminiere (CT).

14 maggio, ore 17.30: talk con l’artista

14 maggio, ore 19.30: performance Etere Project 

Il 14 maggio alle 17.30 si svolgerà una tavola rotonda con l’artista e la curatrice della mostra, Francesca Gallo e i curatori Chiara Ciucci Giuliani (del collettivoSguardo contemporaneo), Veronica D’Auria e Maurizio Marco Tozzi (di C.A.R.M.A.). Un’occasione per approfondire alcuni aspetti dalla ricerca video dell’artista, in particolare la capacità visionaria della new media art, tema al centro dei lavori esposti.

Alle ore 19.30 la serata continua con la performance Mondificazioni del gruppo E.T.E.R.E. Project (Lino Strangis, Giovanni Paris, Roberto Liberati, Giulia Pellini), impegnato nel contesto delle “interazioni di senso e sensi” (L.S.) “tra fenomeni visivi e sonori” nei processi di performance intermediale.

Nello specifico la performance MONDIFICAZIONI propone “un processo performativo metaforico del fondamentale ruolo dell’agente sonoro nella formazione e nel fenomeno di evoluzione delle forme che costituiscono i vari livelli dell’esistente, le dimensioni in cui si sviluppano le più differenti forme di vita”, spiega Lino Strangis.

“Questa esperienza multisensoriale è prima di tutto la celebrazione – continua l’artista – dell’elemento sonoro e della sua forza generatrice: basti pensare che fin dall’antichità moltissimi culti religiosi pongono il suono nel ruolo di principio generatore e che, ad esempio, nella teoria delle stringhe si pensa a corpi vibranti come alla materia prima da cui conseguono tutte le altre costruzioni di forme e vite.”

In questa seconda versione di MONDIFICAZIONI, proposta il giovedì 14 maggio, Strangis fa uso di un videomapping modulare basato sulla posizione dei musicisti in scena (interamente coperti da tute bianche che li integrano completamente nella proiezione), tecnica che permette una più intensa interazione e un reciproco potenziamento fra la componente sonora e quella visiva, ma allo stesso tempo permette di riproporre “la scena” nelle più diverse situazioni spazio-temporali ed architettoniche.

La definizione di free improvisation intermediale è usata da Strangis per tale tipo di performance che riunisce la “tradizione” dell’avanguardia musicale dell’IMPROVVISAZIONE LIBERA portandola nel mondo elettronico-digitale odierno (tramite largo uso di sintetizzatori e software musicali) e con l’elemento video in chiave sperimentale, “come scenografia, partitura aleatoria e corpo di ballo allo stesso tempo”. Il risultato è di carattere intermediale, cioè un intreccio di linguaggi capace di generare soluzioni formali in cui concretamente i vari elementi in campo si integrano non semplicemente sommandosi, ma moltiplicando le loro potenzialità in un ambiente mentale al di là delle distinzioni tra le categorie, i generi e i linguaggi artistici.

Veronica D’Auria – Chief Curator of C.A.R.M.A. -Centro d’Arti e Ricerche Multimediali Applicate  http://asscarma.wix.com/carma

+39 349 2304021 – veronica.dauria@gmail.com

4 maggio – ore 18.00

Lino Strangis (Lamezia Terme 1981) è uno dei pochi artisti italiani della sua generazione che lavora nel campo della new media art, con una cifra molto chiara e personale, e cioè la capacità di passare dal video, dall’elaborazione 3D e dalla sound installation, al mondo reale, con stampe e oggetti ottenuti con materiali di recupero, ma in dialogo con l’universo iconografico e simbolico delle opere digitali.

A quasi dieci anni dalla sua comparsa sulla scena artistica ufficiale – e con all’attivo numerose mostre personali, partecipazioni a collettive e festival, sia in Italia che all’estero – in Presente ulteriore Strangis declina il rapporto tra reale e virtuale fin nel video, Just an apple, in cui riprese dal vero si alternano e si mescolano agli scenari in grafica digitale, la sua produzione più nota e riconoscibile, tratteggiando una prospettiva ottimistica e ironica sulle possibilità rappresentate dal cyborg, che in realtà più che uno scenario futuro è, appunto, il nostro presente. La contaminazione quasi osmotica fra lo spazio fisico e quello matematico del computer, in realtà allude anche a una potenziale dimensione mentale in cui i confini fra soggetto e mondo sfumano, come nel sogno o nelle fiabe.

In mostra, oltre al video e alle stampe ispirate ad esso, alcuni oggetti con innesti tecnologici e una selezione di materiali preliminari al lavoro, appunti e disegni che segnano il progredire, talvolta lineare, talvolta per scarti, dell’iter creativo, dall’idea fino alla realizzazione.

14 maggio, ore 17.30, talk con l’artista

14 maggio, ore 19.30 la performance di improvvisazione intermediale del gruppo Etere Project (Strangis, Giovanni Paris, Roberto Liberati con la partecipazione di Giulia Pellini): Mondificazioni

Una selezione di immagini, tratte dalla documentazione dell’attività dei medici volontari di Interethnos Interplast Italy Onlus presso il Dhaka Medical College in Bangladesh (10 – 11 gennaio 2015) http://www.3ionlus.org/.

Le fotografie che Anna Benedetto ha scelto per la mostra alla Galleria Bruno Lisi-AOCF 58 non riportano a un resoconto di carattere tecnico e neppure al racconto di esperienze traumatiche  ma evocano piuttosto una situazione umana, caratterizzata da una diffusa presenza emotiva.  L’ospedale di Dhaka è ripreso da uno sguardo autoriale apparentemente sommesso; un meditato distacco che significa rispetto per la sofferenza dei pazienti e per il lavoro dei medici. L’informazione arriva a chi guarda senza impregnarsi di stereotipi e senza riferimenti estetizzanti, portando l’attenzione sull’atmosfera dell’attesa.  L’attesa in corsia, nei corridoi, nei volti, nei corpi e nelle posture, nelle luci e nelle penombre; figure immerse nella dimensione di un tempo sospeso in cui, anche quando si sta insieme, domina la solitudine.

 Samaya infatti vuol dire tempo, quello dei medici in missione, quello (brevissimo) del team del reportage e quello delle attese dei pazienti. Il sottotitolo, Camera d’attesa, gioca sulla doppia valenza del termine “camera” che può essere la fotocamera con la quale sono stati fissati questi momenti oppure lo spazio fisico di attesa in cui  situazioni e persone si avvicendano.

Con queste valenze il lavoro fotografico di Anna Benedetto sollecita una riflessione sulle pratiche del reportage fotografico e attraverso di esso, sull’ontologia stessa dell’immagine fotografica. Che significa oggi reportage? Che rapporto intrattiene la fotografia da un lato con la documentazione dall’altro con la spettacolarizzazione? E soprattutto in che misura veicola gli elementi di una condizione emotiva e privata? Il reportage è un serbatoio di informazioni o il motore di metafore e simboli? In quali modi e misure documento e bellezza possono interagire senza elidersi a vicenda?

Anna Benedetto, nata a Taranto nel 1979, laurea specialistica in “Cinema, Teatro e Produzione Multimediale”.
Vive a Roma, dove dal 2011 è socia, fotografa e formatrice all’interno del team di 6PM STUDIO (http://6pmstudio.com/).
Ha all’attivo diverse pubblicazioni per magazine, quotidiani e case editrici a tiratura nazionale.
Ha partecipato a varie collettive e questa è la sua prima mostra personale.

Inaugurazione :  9 marzo – ore 18.00

al lunedì al venerdì ore 17.00 –19.30 (chiuso sabato e festivi)

“Poco prima del caffè” di Jonathan Soverchia è un video sul tempo che si avvolge su se stesso. Nasce da una riflessione fatta in sala di montaggio sulla relatività del tempo, che l’uso della tecnologia contribuisce a sfasare ulteriormente, facendone saltare tutte le convenzioni. L’orologio diventa così l’oggetto simbolico che attiva lo straniamento, la ricerca dello straordinario nell’ordinario della vita quotidiana.

Il surreale è infatti per Soverchia una poetica che da sempre lo affascina, da quando ai tempi della scuola veniva stimolato a tirar fuori la poesia da ogni sua esperienza. È attivare l’immaginazione, non spiegare per forza tutto, come nel video proposto in mostra, in cui i due personaggi forse esistono forse no, e non c’è un inizio univoco né una fine… ognuno può ricostruire l’accaduto secondo la propria esperienza, secondo il proprio ricordo.

Nei video di Jonathan Soverchia non c’è solo una storia, con un meccanismo narrativo regolare, né solo un’idea, un concetto: c’è la storia di un’idea che perde, attraverso la distanza polverosa delle immagini, la definizione rettilinea del tempo per esprimere un percorso emotivo che l’autore ha dentro, comunicare un’atmosfera.

Il gioco dello straniamento però non è un gioco serio: molta ironia si concentra sulla fisionomia dei volti, persone reali e non personaggi, decontestualizzati dai loro ruoli quotidiani, e deformati anche dalla scelta del grandangolo che ne distorce la normale visione.

Dal punto di vista tecnico, poco spazio è riservato alla rielaborazione. La poesia nasce già in fase di progettazione, con una sceneggiatura quasi totalmente affidata allo storyboard, tenendo conto sia dei cromatismi che dei suoni, in presa diretta, e affidando alla postproduzione solo il montaggio.

Il cortometraggio, della durata di 9.30 minuti, è stato proiettato al Fano International Film Festival 2013 dove ha vinto il primo premio nella Sezione Autori Marchigiani; è risultato terzo classificato al Bonsai Film Festival 2014 di Acqualagna (PU) e ha vinto il premio per la Miglior fotografia al Fabriano Film Fest 2014.

 Annalisa Filonzi

Crediti:

Jonathan Soverchia la regia, soggetto, sceneggiatura, montaggio, post produzione

Alessia Raccichini, Jacopo Mancini gli attori

Michele Magliola, la fotografia

Elisabetta Pierangeli, la scenografia

Luca Barchiesi, il suono

Andrea Montali, la musica

dal lunedì al venerdì ore 17.00 –19.30 (chiuso sabato e festivi)

A cura  di FRANCESCA ORSI

All’interno del progetto PHOTO-ROMANCE teso ad analizzare come il fotoromanzo si sia affacciato, in diversificate spoglie rispetto alle sue origini, nel panorama artistico contemporaneo la mostra di Elisa Abela se ne serve come medium per portare a galla un gioco di ambiguità visive che mandano in cortocircuito lo status quo narrativo di quello che era il “genere fotoromanzo”.

Quello che sta succedendo ai giorni nostri nel mondo artistico/visivo per quanto riguarda il fotoromanzo non è tanto una riqualificazione di esso, una mera riproposizione del genere. Oggi non si può parlare più di “genere fotoromanzo”, ma che l’arte contemporanea ne abbia adottato la sua modalità semplice e diretta a livello comunicativo è indubbio. “Bettina, la rivale. Percorso per amatori evoluti” di Elisa Abela ne è un chiaro esempio.

Il fare artistico dell’artista catanese si è sempre contraddistinto per una copiosa ricerca iconografica, un gioco di fiction soprattutto tramite la tecnica del collage che l’ha portata ad avere un proprio stile vibrante: un labile confine che porta la sua produzione artistica a un “dico e non dico” e “ vedo e non vedo”. Elisa tocca tematiche di fervente attualità rimodellando il carattere simbolico dell’immagine, una decontestualizzazione del significato originario che la inserisce in un linguaggio di critica alla società, senza la pretesa di farlo. Una critica velata e un po’ sorniona, che lascia alla fruizione la libertà di prendere la propria strada senza nessun giudizio.

L’artista gioca con l’ambiguità dell’immagine, con la sua valenza altra quando la si inserisce in un contesto che non è quello originario, con il cortocircuito che si viene a creare, in questo modo, tra significato e significante.

I 20 light box di cui si compone la mostra sono 20 lenti di ingrandimento su un percorso a due vie, parallele ma alla fine convergenti. I baci e la violenza per amore sono sempre stati elementi di prim’ordine nel fotoromanzo, in generale le passioni dell’animo umano sono state il condimento preferito del genere proprio per la facilità di immedesimazione dell’individuo quando si parla di sentimento amoroso, ed Elisa ha tratto da questa ricchezza di immagini lo spunto per un gioco iconografico spiazzante ed acuto. Un lavoro che vede l’intersecarsi di un apparato visivo con quello testuale per generare ironia e un sorriso sarcastico.

dal 12 al 30 gennaio 2015

Franco Belsole (Viterbo 1958) torna da AOCF58 con una nuova personale in cui espone una serie di fotografie scattate recentemente a Parigi, parte di un più ampio progetto che lo impegna dal 2010 e lo ha condotto anche a Berlino, New York e Helsinki.

Nella mostra I non-luoghi sono raccolte una decina di grandi stampe, che a volte assumono la forma di dittici, in cui figure e edifici di sobria modernità sembrano accordati fra loro su un basso continuo. Infatti, i passanti – poco più che apparizioni – sono colti assorti nei propri pensieri, nitidissimi nella messa a fuoco, eppure quasi schiacciati dalla fitta griglia urbana. Le città, d’altronde, sono volutamente irriconoscibili, in quanto gli scatti rifuggono dai luoghi comuni turistici e storici, per indugiare su costruzioni di un modernismo sobrio e severo, che si accorda, per geometrie e colori, con le posture o gli abiti di uomini e donne ritratti, inconsapevolmente, mentre tornano dal lavoro, sfogliano un giornale, attraversano una piazza.

Più che l’alienazione individuata da Marc Augé come peculiarità dei nonluoghi della surmodernità, quindi, nelle foto di Franco Belsole si coglie la centralità dell’individuo che cede vita e senso allo spazio urbano.

Francesca Gallo

4 dicembre / 8 gennaio 2015

Albanian sworn virgins

Il progetto fotografico, in progress dal 2011, viene esposto presso lo spazio di via Flaminia – dopo la mostra tenutasi presso la libreria Einaudi di Roma nel 2012 – con nuove stampe e approfondimenti. Paola Favoino, prima con un approccio antropologico poi concentrandosi sul racconto fotografico, si è addentrata nello specifico spaccato sociale dell’Albania del nord, documentando con delicato trasporto una figura radicata e riconosciuta dalla società albanese: la burrneshe.

Nell’Albania del nord, un ristretto gruppo di donne – per motivazioni diversificate – all’interno della propria famiglia, viene investito del ruolo di “capo famiglia”, assumendosi le responsabilità morali e pratiche dell’“uomo di casa”. Una trasposizione che converge anche nel lato fisico, con un corpo che si fa carico di un cambiamento esteriore estremizzandolo. La burrneshe indossa il suo “abito”, fatto di carne e di codici morali, indistintamente all’interno del nucleo familiare e di fronte alla comunità albanese; riconosciuta da entrambe porta avanti un ruolo ineluttabilmente senza ritorno.

Dietro all’intimo racconto con cui Paola Favoino narra di alcune di queste donne che vivono come uomini  emerge un substrato che viene sussurrato, tagliente e penetrante; un legame indissolubile che annoda un’immagine all’altra: la presenza, tra le righe, di un riferimento al Kanun – antico codice di leggi consuetudinarie trasmesso oralmente in Albania da secoli – che dà materia al racconto fotografico e lo rende ricco di mistero e fascinazione.

Ma ciò che emerge da “Albanian sworn virgins” non è la rappresentazione di ruoli sociali e classificazioni di genere, ma l’equilibrato insieme di una macro-storia di un territorio con i propri “codici” e le micro-storie individuali di queste persone che incarnano “Altro”: non donne, non uomini, ma come scrive Paola Favoino “un altro universalmente riconosciuto e accettato, con le sue regole e le sue consuetudini”.

Francesca Orsi

dal 10 al 28 novembre

A cura di :  Irene Ranzato

Testi in catalogo di :  Serafino Amato, Lisetta Carmi, Beppe Lo Russo, Alessandro Sagramora

2° Sede : Monty & Company art studio, Via della Madonna dei Monti 69 – Roma

inaugurazione:13 novembre 2014 ore 18,30 – <artstudio@montyecompany.com>

Carparelli sett 2014

 Andamane, Lacrimazione cerimoniale, cm28x38, 2005

  In diagonale, cm16x26, 2009

40 tempere cm 20×30 e un arazzo, cm 300 x270

Doppia personale a Roma di Alberto Vannetti per presentare la sua nuova serie di tempere ad AOC e la serie inedita a Roma degli arazzi alla galleria Monty & C.

La serie delle tempere su carta iniziata circa 15 anni fa ha un filo narrativo che attraversa la storia, il mito, la tecnologia, la contemporaneità e gli stati d’animo che negli anni si sono succeduti, accumulati, ridisegnati, in una sorta di diario antivirtuale che tenta di ritrovare nel profondo del pensiero quell’equilibrio formale, estetico e dialettico oggi sacrificato sull’altare del minimalismo forzato e vuoto.

Gli Arazzi/stendardo che affiancano le tempere ingrandiscono e conclamano questa disposizione culturale sono gli ultimi nati di un lavoro di Arte Pubblica che ha proposto a partire dal 1994 Stendardi, tazebao e arazzi sui generis in cui la manualità e i significati si intrecciano ritrovando tutti quegli aspetti di un arte tattile che potrebbe essere definita neodeco.

…“In questo sogno da sveglio l’artista sembra trovare il modo di riannodare i fili anche con una storia dell’arte a lui particolarmente vicina; ovvero quella tradizione orientalista di tanta pittura europea di fine Ottocento e che ha plasmato il nostro modo di guardare l’Oriente e di fantasticare su di esso.” (A.Sagramora)

“…l’artista è consapevole di lavorare con una materia comunque compromessa, una realtà gravida di tutti i significati che dagli albori della civiltà non hanno mai smesso di descrivere il mondo, il divino e l’umano, sottraendo il racconto alla sua dimensione eventuale, storica della verità e del sapere. Da qui, io credo, proceda la scelta di Alberto di frequentare il mito, quello classico, popolato di divinità, eroi e cosmogonie leggendarie, non limitandosi al solo piacere della citazione e del riconoscimento, ma assumendolo come documento evocativo di rappresentazioni, metafore del reale, per le quali altre cose s’intendono.

Nell’allestimento dell’artista, un inventario di segni astrologici, divinità olimpiche, punti cardinali, simbologie araldiche, fantastiche e guerriere, misurano per noi la distanza, in tempo e spazio, da questa mitografia che altro non è che la misura del sapere, fissato nella durata della sua permanenza come rappresentazione di altre rappresentazioni e così ad infinitum.

 “Ecco allora Alberto farsi mitografo, adoperandosi a disporre, sullo sfondo di orizzonti immaginari, soli infuocati e anfore, cavalieri berberi, un arciere nudo, un isolato pellegrino, per investirli, conformarli in un suo personale universo mitologico. In questa realtà idealizzata trasmutano luoghi, personaggi, avvenimenti epocali, fiori e vecchie carte geografiche, che l’artista colloca in un paesaggio metafisico, reso da un geometrico e lucido rigore di forme, di linee e colori. Una mitologia individuale, dunque, in cui, come per l’altra più antica del racconto collettivo dei miti della classicità, non è richiesta allo spettatore alcuna ragione di credere, ma solo curiosità e soggezione, per quanto lontano possa arrivare la sollecitazione di un’arte rammemorante.” (B. Lo Russo)