Mary Desmond
a cura Francesca Gallo

Per il quarto anno di fila la rassegna 41°54′ N-12°28′ E, ideata da Francesca Gallo per AOCF58, si ispira alle stanze poetiche di Emily Dickinson, coinvolgendo due artiste attive a Roma che porteranno in pubblico le loro temporanee ossessioni: immagini ricorrenti, più o meno personali, che – come spesso accade – in un dato momento saturano la testa e trovano nel processo creativo e nell’opera quasi una via per defluire.

Il titolo del progetto, invece, coincide con le coordinate cartografiche dello spazio espositivo intese come metafora della rete che collega qualsiasi punto della superficie terrestre agli altri, seppure solo per convenzione.

Mary Desmond, alla sua prima personale in Italia, presenta Memory Wall una sfaccettata riflessione sulla memoria e le sue tracce, a partire da un singolare uso della fotografia in dialettica con la pittura.

In mostra sono due serie di lavori, molto diversi, ma accomunati dal concetto di traccia, di residuo e appiglio per il ricordo, personale o collettivo: i disegni di animali, simili ai graffiti paleolitici; e palinsesti di immagini personali, raccolte e accumulate nelle scatole e nella mente, in cui latitudini e tempi si fondono.

Britannica di origini irlandesi, Mary Desmond vive a Roma dal 2005, dopo il lungo soggiorno spagnolo. Ha al suo attivo diverse mostre collettive. Il suo lavoro si caratterizza per una singolare declinazione del disegno e della pittura figurativa, con movenze vicine al neoespressionismo, e di un attitudine concettuale raccolta attorno alle relazioni, tramite il ricorso alla corrispondenza.

Primarosa Cesarini Sforza
a cura di  Francesca Gallo

Primarosa Cesarini Sforza – matura artista romana con un’ampia attività internazionale – è conosciuta soprattutto per il personale modo di declinare il linguaggio pittorico con fili di seta “grondanti” dalle tele al posto del colore e con cui tratteggia immagini ricorrenti di uccelli, giardini, case, bambini.

Nella personale da AOCF58, invece, torna, dopo molti anni, al disegno su carta, con una serrata e quasi ossessiva ripetizione di un modulo abitativo: una semplice casetta, un po’ come quelle immaginate dai bambini, disposte con maniacale sistematicità in una griglia di ortogonali. Il risultato sembra un inquietante progetto urbanistico, che rispecchia l’anonimato e la solitudine contemporanee, di cui l’abitazione è metafora. Ma poi, con l’ironia che contraddistingue l’arte attuale, l’ordine si trasforma in disordine e le casette, questa volta tridimensionali, si ammonticchiano, abbandonate nel cesto dei giocattoli o, forse, in attesa dei sogni del prossimo progettista.

Caratteristica costante della ricerca di Primarosa Cesarini Sforza è quindi il libero attraversamento dei codici espressivi della pittura e della scultura, secondo un percorso in cui le immagini – con un valore simbolico e affettivo sovente personale – transitano dalla bidimensionalità alla concretezza oggettuale, attraverso un repertorio di tecniche imperniate sulla manualità, a volte semplici e immediate, a volte lente e meditate.

Per il quarto anno di fila la rassegna 41°54′ N-12°28′ E, ideata da Francesca Gallo per AOCF58, si ispira alle stanze poetiche di Emily Dickinson, in cui prendono forma, questa volta, pensieri e ricordi, sogni e figure, con forza e insistenza ossessive. Il titolo del progetto, invece, coincide con le coordinate cartografiche dello spazio espositivo intese come metafora dell’incontro.

Nina Baratta
a cura di  Francesco Pontorno

Neanche è la prima mostra della giovane fotografa romana Nina Baratta. Sette foto dal terremoto dell’Aquila del 6 aprile 2009: sei piccole stampe di strutture sconvolte e un prete in posa medievale, forse per caso. Una sintesi e sei analisi dal dialogo in cortocircuito. Dopo e oltre il sisma.

Cristina Papi
testi di Vincenzo Ventimiglia e Federica Mascagni

L’ associazione aocf58-galleria BRUNO LISI, ospita la mostra “Memento” di Cristina Papi, artista con formazione eclettica, propone una serie d’opere composte da foto- sculture e memory-carillons.

Le opere presentate sono Noli me tangere, stampe su plexiglass, con interventi a traforo, assemblate a piccoli oggetti e Arma Christi due contenitori-reliquiari che, come cassetti della memoria, contengono ricordi di persone reali. Le brevi melodie completano la parte evocativa e danno un tempo al ricordo consentendo al visitatore l’interazione con le opere.

La sequenza fotografica racconta tracce dell’esistenza di familiari dell’artista in una casa ormai solo luogo della memoria. Negli spazi del ritorno onirico gli oggetti senza valore assumono una persistenza poetica ossessiva che invade anche il supporto dell’opera con interventi diversi, quasi scolpiti dalla luce e dall’ombra.

Nelle memory-carillons, alcuni elementi assurgono a dignità sacra e sono custoditi in reliquiari ambigui, circondati da cornice, come quadri del salotto buono. Anche il contenitore d’Arma Christi propone una spartizione del contenuto e racconta una storia dalla forte carica devozionale.

Gli oggetti, dato il valore simbolico che custodiscono, assumono una sacralità reale e ormai reliquie dentro e fuori dal tempo, diventano quasi uno studio antropologico che supera il valore personale per assumerne uno universale.

L’artista si concentra sul ritorno dello sguardo come flashback in cui ciò che colpisce è l’assenza del soggetto nei luoghi delle istantanee fotografiche. La mostra è un archivio reale à rebours, casi irrisolti della memoria, riflessioni sul passaggio di esistenze già vissute ma dalle possibili coniugazioni ancora aperte a titolo di speranza e con fede mistica in altre vite possibili. Lo sguardo è guidato verso una sottile malinconia, trovando “in ogni posto un luogo che testimonia l’identità di una solitudine”.

Silvia Bordini
scritti di  Carlo Bordini, Giuseppe Fabrini, Francesca Gallo, Francesco Pontorno

«Le piante che non rivestono alcuna funzione utile per l’uomo, che danneggiano la produzione agricola, che crescono in maniera incontrollata nelle città. Nei margini, nelle crepe, nelle fessure, tra rovine e discariche. Caparbie, vitali, avversate, ignorate. E decisamente belle. Serbatoi di diversità biologica, organi di senso dell’ambiente: l’altra faccia del modello tradizionale di giardino e di bellezza naturale.

Zona di uno scambio inavvertito tra uomo e natura e testimonianza di un processo di trasformazione biologica. Metafora, anche di tutto ciò che è considerato marginale, che non segue le regole, che non è utile, che non produce, e che tuttavia è provvisto di una insopprimibile energia.

Le erbacce hanno cattiva stampa e cattiva fama, ma qualcuno le ama, le studia, le guarda, le propone come materia dell’arte, un’alternativa e una resistenza».

Sophie Benini Pietromarchi

La galleria BRUNO LISI, AOC F58, ospita la mostra “Libri Friabili” dell’artista italo-francese Sophie Benini Pietromarchi.

Attraverso le opere esposte, l’artista ci fa viaggiare sul filo del racconto di una storia d’amore. Partendo da un libro tradizionale inedito, “Où presque”, in cui l’artista si interroga sulla geografia dell’amore, seguiamo le formiche che ci porteranno lontano, tra lini ricamati, découpages e libri di stoffa. Tutto inizia armoniosamente per poi sgretolarsi in una moltitudine di libri cuciti, riparatori, custodi di piccole intimità toccanti.

E’ la seconda mostra che la galleria AOC F58 ospita di quest’artista che continua a mostrarci mondi straripati dalla dimensione del libro.

Sophie Benini Pietromarchi ha pubblicato libri per bambini in Italia (Sinnos, Adelphi, Gallucci), in India (Tara Publishing), Francia (Milan), Spagna (Thule), Svizzera, Israele, Cina, Portogallo. Ha creato e condotto laboratori sul libro in biblioteche (Biblioteche di Roma, Library of Congress di Washington), musei (Macro, Maxxi, Ara Pacis), festival e saloni del libro (Europalia, Edimburgo, Madrid, kideurofestival di Washington).

Carlo Forti

Questo ultimo lavoro di Carlo Forti si configura come un grande mosaico strutturato in una griglia colorata di nero, dalle dimensioni di 180 x 320, dove sono collocati 48 collage policromi.

I ritagli di carta incollati con grande fantasia rimandano a gioco di colori che ricordano le forme a pennellate variabili delle sue ultime astrazioni.

Ritroviamo l’amazzone capace di scagliare la freccia del desiderio,capace a sua volta di conficcarsi nel bersaglio della realtà,utilizzando come mezzo la velocità del gesto che percorre le emozioni. Per questo l’artista affronta situazioni difficili, legate al suo stato d’animo, utilizzando la caratteristica principale del faccia a faccia con se stessa.

E’ come se virtualmente, impugnasse le corna per difendere e offendere l’energia creativa, associata al pensiero, che, le permette di giungere ad una sincronia armonica.

La coscienza artistica si evolve e giunge ad una consapevolezza di ‘se’ come artista, passando attraverso il proprio super inconscio, riesce ad oltrepassare la propria coscienza, per giungere all’io creativo utilizzando così i sensi spirituali e materiali che, fondendosi,  permettono alla sua identità artistica di emergere.

Razionale ed analitico l’emisfero sinistro, intuitivo ed emozionale il destro, si fondono nella consapevolezza di elevare la propria coscienza ad una creatività capace di convivere con regole ed emozioni. L’artista utilizza così i sensi spirituali e materiali, fa emergere la propria identità creativa attraverso l’energia positiva guidata dal pensiero creativo e quindi dalla mente. Il gesto permette alla parte animale, sede di emozioni ed energia di raggiungere, possedere e fare proprie le qualità telepatiche e la capacità di percepire gli elementi.

Questa nuova consapevolezza di se, guida l’artista  a conoscere ed integrare questa parte  fondamentale che segna il tramite tra inconscio, desiderio e realizzazione dell’opera.

“Ho sempre pensato che non sono io che scelgo il paesaggio, è il paesaggio che sceglie me”.

Così rispondeva Mario Giacomelli ad un giornalista che lo intervistava nel 2003.

L’assunto del grande fotografo marchigiano, potrebbe adattarsi benissimo anche per Michela Tomiselli.

La ricerca fotografica della giovane artista romana, che da tempo “indaga” sul paesaggio con la sua Canon, rivendica il desiderio di misurarsi più con la pittura di “gesto” che con l’immagine iconografica; l’artista infatti compie gesti e movimenti che si armonizzano con i tempi e gli obiettivi della macchina fotografica.

Il risultato del “gesto” apparentemente casuale, compie vere e proprie elaborazioni sincronizzate con la sensibilità e la concettualità di chi conosce il mezzo tecnico e la complessità dell’arte contemporanea.