Ci sono due aspetti nell’opera di Olivier Marty (Parigi, 1961): da una parte la diretta immersione nel paesaggio attraverso un’intensa pratica artistica. Dall’altro la ricerca di evocazioni pittoriche libere e astratte nel suo atelier di Ivry-sur-Seine, vicino Parigi.

I paesaggi fonte variano a secondo delle opportunità di viaggio e residenze: città, campagna, periferie o aeree industriali. Viaggi in treno o in macchina e lunghe passeggiate sono parte della scoperta. Una volta raccolte, sensazioni e osservazioni vengono registrate in numerosi e rapidi schizzi, piccoli dipinti, fotografie e video. In un secondo momento, il gesto rallenta per diventare più preciso o accelera per produrre una versione radicale.

Tele e carte lentamente rivendicano la propria autonomia nello studio. La loro priorità è quella di trasmettere una sensazione di spazialità. Questo può avvenire attraverso il ritiro del bianco o al contrario attraverso accumuli di interventi di colore, fino a saturare la superficie. C’è sempre, comunque, una tensione tra pieno e vuoto, un gioco in cui i confini aiutano a indovinare ciò che è lasciato fuori. C’è la ricerca di ritmo, di una struttura flessibile e di musicalità. Un respiro alla fine rimanda ai paesaggi ciò che si era inizialmente allontanato.

Per la mostra ad AOC F58, Olivier Marty presenterà diversi aspetti della sua opera grafica e pittorica “nel paesaggio”. Li metterà in tensione con una serie di disegni delle sue mani, frutto di  un tentativo intimo e notturno, che ha avuto inizio durante il primo lockdown Covid e continua ancora oggi.

Olivier Marty è rappresentato dalla galleria Univer (Parigi) e dalla galleria Le domaine perdu (Meyrals, Francia). Insegna alla École Nationale Supérieure de Paysage (Ensp) a Versailles, dove dirige il dipartimento di Arte.

dal 13 al 26 maggio 2023

Zoè Gruni:    Fromoso

A cura di:  Camilla Boemio

Media Partner          Forme Uniche

Collaborazioni          AAC Platform

Orario                     dal lunedì al venerdì, 17,00 alle 19,30

La Gruni è una delle artiste più rappresentative della sua generazione, coerente fino all’essere radicale, ha da sempre esplorato senza filtri le tematiche di genere, l’identità, la diaspora, la colonizzazione forzata in Brasile, la storia indigena, la causa femminista utilizzando il proprio corpo e dialogando in modo corale con altri performer, scrittori, registi nel realizzare opere in comunione per affrontare ‘nervi scoperti’ che le hanno permesso di arrivare allo stato di grazia, artefice di opere totali d’arte contemporanea.

In questa catarsi i simboli ramificati prendono forma, l’identità come indagine, come baluardo estetico politico nel quale si estendono le reminescenze della Dimensione Oscena di Peter Gorsen; il contenuto ideologico della ribellione morale come visione anticapitalistica, come ritorno al ‘ buon selvaggio’ di Rousseau, applicazione del senso rivoluzionario delle aggressioni ‘oscene’ alla morale costituita.

La mostra si articola e prende forma intorno alla video installazione ‘Fromoso’. Questo ultimo (Rio de Janiero, Brasile 2019-2020) è una video-performance ispirata al concetto di antropofagia. L’azione è stata realizzata in una discarica di carri del carnevale nell’area portuaria di Rio de Janeiro. Il corpo della ballerina cubana Ana Kavalis si abbandona ad un rituale esoterico nel quale viene assorbita fino a scomparire.

Le opere in mostra incorporano e partono dall’installazione site-specific composta di tessuti che circonda la video installazione, per arrivare a “Fromoso” (2020) stampa fotografica su forex, “Fromoso” (2020) che si compone di sei elementi realizzata in stampa fotografica su forex, e “Fromoso I”; “Fromoso II”; “Formoso III”; “Fromoso VI”, (2020) una serie di quattro incisioni in linocut su carta.

Secondo Boemio: “Zoè Gruni attinge alla tradizione visuale del secondo rinascimento evocato da Eugenio Battisti nel suo “L’Antirinascimento”, nonché a modalità caleidoscopiche antropologiche dell’arte nelle quali dialogano il potere arcaico del retaggio storico con il linguaggio più rigoroso dell’arte contemporanea. Descrive il corpo umano come uno strumento poroso di piacere, dedalo infuocato di trasformismo, fluido, indipendente, irriverente, nel quale aleggiano l’ancestrale terrore con stadi di ascesi. La sua inclinazione per la manualità e l’utilizzo con maestria dei materiali forgiano la scultura che diventa un’armatura da indossare (una seconda pelle) che si collega ai movimenti figurativi e funk della Bay Area, luogo nel quale ha vissuto a lungo, ma dal quale espande i retaggi pagani, creoli ed indigeni. Il corpo è l’ultima frontiera, il soggetto scomodo nel quale avvengono le trasformazioni. Il concetto di corpo come frontiera viene trattato da una vasta gamma di diverse angolazioni: formali, estetiche, esistenziali e politiche nelle quali è esorcizzato, venerato, mistificato rimanendo il protagonista assoluto. Anche questa mostra d’arte (dopo il talk di Febbraio tenutasi ai Pistoia Musei) è in movimento, come i passi della performer cubana protagonista di Fromoso. Passa da uno stato all’altro, diventando qualcos’altro, esplorando molteplici identità, fino alla sua ascesi.”

Segnaliamo il libro d’artista Segunda pele pubblicato da Metilene (2023), sviluppato durante l’esperienza dell’artista in Brasile, nasce dal bisogno di esorcizzare la paura del diverso. In questa ricerca il corpo diventa l’elemento catalizzatore capace di relazionarsi con gli altri, rappresentando il principale filtro fra l’essere umano e il mondo. Il volume è consultabile, ed acquistabile, anche nel bookshop di Palazzo delle Esposizioni, a Roma.

Zoè Gruni (Pistoia, 1982) ha vissuto e lavorato a lungo a Los Angeles, a Rio de Janeiro e a San Paolo. Diplomata presso l’Istituto d’arte di Pistoia, si laurea in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Successivamente si trasferisce in California e poi in Brasile dove ha modo di approfondire la propria ricerca artistica sui linguaggi del corpo in relazione ai contesti sociali e culturali locali. Ha collaborato con vari istituti di ricerca come il CCC Strozzina (Centro cultura contemporanea Palazzo Strozzi) di Firenze, la San Francisco Art Institute in California, l’Università FAAP (Fundação Armando Alvares Penteado) di San Paolo e la EAV Parque Lage di Rio de Janeiro in Brasile.

Il suo lavoro é rappresentato in Italia dalla Galleria Il Ponte (Firenze), esibendolo in molte fiere internazionali di arte contemporanea, tra le quali Artissima.

dal 13 aprile al 5 maggio 2023

Matthew Smith:    Ascension

A cura di:  Camilla Boemio

Sostenuto da: Arts Council England

Supporter:  Morgana

Collaborazione: Melissa Pallini (Ask Again Studio)

Orario:dal lunedì al venerdì, 17,00 – 19,30

AOC F58-Galleria Bruno Lisi promuove la prima mostra italiana dedicata alla recente serie Ascension realizzata dal fotografo e scrittore britannico Matthew Smith, curata da Camilla Boemio e sostenuta dall’Arts Council England.

La serie è un viaggio interiore dell’autore, iniziato durante la pandemia. Le foto sono strutturate in una narrazione romanzesca, in relazione con la città e la natura, interagendo con i sogni e l’immaginazione, espandendola con il mondo che ci circonda e creando un contesto trasognato ed onirico. Il timbro è fortemente esistenziale, marca lo stato d’animo armonioso e di grazia nel quale Smith ha percorso un flusso nel quale raccontare una storia. Il lavoro del regista Andrei Tarkovsky ha avuto una grande influenza sul suo linguaggio, se ne possono ritrovare le tracce anche in questo corpo di lavoro.

Ascension si compone di fotografie scattate a Londra, Venezia e Tokyo, che esplorano un territorio nascosto della mente e del cuore, attraversando il mondo esterno composto da un paesaggio urbano ibrido. Sono state scattate durante un periodo di profonda instabilità nella vita nell’autore, soprattutto per la morte della sua prima moglie, e

riflettono un viaggio interiore che l’artista aveva bisogno di completare, attraverso la paura e il dolore, per riprendere il coraggio e ritrovare la lucidità mentale.

La serie unisce la fotografia di strada, quella di paesaggio e quella astratta, per costruire un mondo integrato in cui la realtà è aperta a nuove chiavi di lettura; Ascension si muove attraverso la luce e l’oscurità, la vita e la morte, per “rendere visibile l’oscurità”.

Secondo Boemio: “Le immagini di questa narrazione sono una costellazione sorprendente della vita che si fonde con il personale e il collettivo, unisce il trascendente alla scoperta del paesaggio. Di fondo l’intensità emotiva dialoga con una profonda spiritualità, in questo stato il sublime si diffonde nei particolari, nella scoperta della luce, nell’incedere delle ombre e nell’apparire della luna nell’acqua. Uno slancio che ci regala la percezione della vita composto da un poetico vocabolario visivo. La vita ancora, e ancora, che si svela nei dettagli, regalando stati visivi complessi e intercalati le cui svolte inaspettate aprono mondi inesplorati.”

Ascension ha ricevuto la menzione d’onore ai Lucie International Photo Awards 2020, nella categoria professionale Analogico/Film: Fine Art, nonché le menzioni d’onore al Tokyo International Photo Awards 2022 e al Moscow International Photo Awards 2021.

Inoltre il photobook di Ascension verrà pubblicato nella primavera di questo anno da Red Turtle Photobook, e includerà il testo completo in prosa-poesia, che Smith ha scritto per accompagnare le quarantasei immagini che compongono la serie fotografica.

Matthew Smith è un fotografo e uno scrittore che vive a Londra, nel Regno Unito. La sua prima serie fotografica, Chora, è stata esposta da Hagi Art, a Tokyo, nel gennaio-febbraio 2020, e al Landabout, sempre a Tokyo l’anno successivo. Ha esposto Chora anche all’Arte Spazio Tempo di Venezia, nell’aprile 2021.Il suo primo romanzo è The Waking (pubblicato da Wundor Editions, nel 2017). La sua prima raccolta di poesie è Sea of the Edge (pubblicata da Wundor Editions, nel 2018). Le sue poesie sono state pubblicate su riviste e periodici tra cui: The London Magazine, Acumen, Envoi, Poetry Salzburg Review e Orbis. È stato il vincitore del London Magazine Poetry Prize, nel 2018. Ha vinto anche l’Orbis Readers ‘Award nel marzo 2019.

Luciano Neri + Pasquale Polidori + Laboratorio Autoreverse

READING AUTOREVERSE

con  Alessia Cipro, Chiara Dragone, Claudia Fabi, Alice Granata, Sonja Ilic

“in collaborazione con DEPOSITO SOLVENTI: una specie di archivio”

Specific Reading Conditions è un percorso operativo elaborato da Michele Zaffarano, Luciano Neri e Pasquale Polidori con l’intento di esplorare i modi e le possibilità del reading d’autore — ovvero la lettura in pubblico dei propri scritti da parte dei poeti: quella consuetudine che stabilisce legami tra corpo, testo ed enunciazione; e tra presenza di chi scrive, immediatezza e medium espressivo — specialmente in un’epoca di crescente complessità dei testi, e crisi della linearità della composizione letteraria

Il titolo proviene da un manifesto di Ulises Carrión, e pone l’accento sulle condizioni materiali, interne ed esterne al testo, in cui avviene l’esecuzione di ogni lettura, e nelle quali si misurano risorse e limiti dell’enunciazione del testo. Le caratteristiche che definiscono il reading d’autore — e che, scambiando vocalità e semanticità, tendono a far coincidere le ragioni testuali con quelle della voce e della presenza fisica del poeta di fronte al pubblico — nella prospettiva di Specific Reading Conditions vengono forzate in più direzioni, aprendosi a esperienze di lettura che si svolgono nell’arco di un anno quasi, eseguite non solo dagli autori, in spazi pubblici e privati, perdendo le coordinate di inizio e di fine, variando la durata, il mezzo e la modalità esecutiva, e arrivando paradossalmente anche all’assenza di un pubblico o dello stesso autore.

Avviato nel marzo 2022, il progetto ha già visto un primo reading pubblico nella mostra Periodo ipotetico di Michele Zaffarano, presso la Galleria Bruno Lisi, a gennaio scorso. Ora un secondo reading, basato su Autoreverse (Tic edizioni, 2022) di Luciano Neri, giunge a compimento nella giornata del 18 febbraio, quando gli spazi della stessa galleria e del Deposito solventi saranno coinvolti nell’allestimento dei materiali di Reading Autoreverse, un laboratorio di lettura sperimentale che si svolge da novembre scorso in collaborazione con il corso di Lingua e Traduzione inglese della prof. Irene Ranzato della Sapienza Università di Roma. Condotto da Pasquale Polidori, il laboratorio ha visto la partecipazione di Alessia Cipro, Chiara Dragone, Alice Granata, Claudia Fabi, Sonja Ilic. Gli elaborati sono esposti in continuità con i video delle letture eseguite in collaborazione da Neri e Polidori, nel progetto Letture su commissione: leggere è un’altra cosa.

L’evento è preceduto da un pomeriggio di letture e contributi teorici destinati ad approfondire la tematica del reading d’autore che avrà luogo nella Biblioteca di Lingue e Letterature straniere moderne della Sapienza Università di Roma. All’incontro parteciperanno Carmen Gallo, Laboratorio Autoreverse, Luciano Neri, Gian Luca Picconi, Massimiliano Manganelli, Cesare Pietroiusti, Chiara Portesine, Irene Ranzato, Antonio Syxty. Musiche al pianoforte composte ed eseguite da Michele Sganga. Un tè sarà gentilmente offerto da Bibliotèq Tea Shop Roma.

Specific Reading Conditions è un progetto reso possibile dalla collaborazione tra DEPOSITO SOLVENTI, AOCF58 – Galleria Bruno Lisi, e la Biblioteca di Lingue e letterature straniere moderne della Sapienza Università di Roma.

Hanno contribuito: Tic Edizioni; Lumi ed. musicali. Un ringraziamento particolare ad Angelo Marotta, Alessandra Mura, Enrico Colantoni.

Michele Zaffarano : PERIODO IPOTETICO

a cura di Pasquale Polidori

in collaborazione con DEPOSITO SOLVENTI: una specie di archivio

La mostra comprende un nucleo di opere che trovano origine comune in un testo inedito di Zaffarano — Periodo ipotetico (centoventi più centoventi frasi quasi uguali) — il quale a sua volta si incentra sulla cruda ripetizione formale di un’unica matrice sintattica, estremamente semplice e destinata a generare sia il testo e sia la materia plastica che di quel testo espone i ribaltamenti e i riverberi sotto aspetti non più, o non solo, verbali.

Il periodo ipotetico di cui parla il titolo, è quello che in grammatica si definisce «della realtà», secondo uno spirito teorico che, accordando una facile fiducia alla retorica, assicura il nostro senso della realtà a un doppio ancoraggio: da un lato, la descrizione dei fatti, ossia il modo indicativo in cui si esprime la premessa; dall’altro, la scelta obbligata del da farsi, l’ubbidienza alle istruzioni, la ragionevolezza pratica di comportamenti logici poiché inevitabili, cioè il verbo all’imperativo, modo della conseguenza. È evidentemente implicita, in questa classica definizione da lezione scolastica, la totale linguisticità del dato reale, puro effetto di resoconti e connessioni verbali; al punto che ciò che di tangibile sfugge a tali coordinate, è anche detto ‘sublime’; e il sublime, come il niente, non è abbastanza per la realtà; oppure, lì dove l’esperienza supera il pensiero, il sublime sarà troppo per la realtà.

Fra il niente e il troppo delle cose, in un serraglio da cui è apertamente bandito ciò che non è lessicalizzabile, è costruito il testo-operazione di Zaffarano — l’operazione essendo quella di radicalizzare all’estremo la misura retorica di quel che si definisce reale. Partendo dalla frase «Se non ti piace (sostantivo), cambia (sostantivo)», Zaffarano ne declina duecentoquaranta versioni, ottenute per sostituzione del solo sostantivo con diversi attori lessicali, dei quali non si scorge un singolo criterio selettivo, ma che anzi mescolano caratteri astratti e concreti; ambiti tecnici e morali, politici e psicologici; e differenti pesi semantici, che in certi casi calcano il

tono della scontatezza pubblicitaria, e in altri raggiungono la gravità di una intuibile, ma mai provata, trama ideologica, svolta per tipi concettuali. Nell’espansione indefinita di questo specifico esemplare di realtà — le frasi sono centoventi più centoventi, ma il meccanismo generativo ne lascia presupporre un’infinità in potenza — troviamo: la diplomazia, la volontà, il resto, il minimalismo, lo scarto, la complicazione, il sindacato, l’economia, la struttura, la turbolenza, …, la forza, la figura, la mistica, l’ora, il collezionismo, la pagina, l’ideologia, la parola, il mistero, il paragone, …, il governo, l’ambiente, la locuzione, la trascendenza, il rimedio, il valore, il modo, la frusta, eccetera.

Fin qui il testo o, possiamo dire, la realtà per definizione. Poi, la lettura del testo, che in modo sorprendente oppone, alla dinamica retorica della realtà, la qualità muta e statica dell’installazione concepita da Zaffarano come medium di trasmissione del testo. Questa lettura ha assunto la natura composita delle opere che ora si situano nello spazio espositivo di Periodo ipotetico; le quali, di quel testo, costituiscono non tanto l’interpretazione o la messa in scena del senso, quanto il tentativo di smarrirne la credibilità verbale in favore di un costrutto plastico potentemente critico, al punto da pervenire a una totale trasparenza del testo e inservibilità del reale che in esso si definisce: una trasmissione che fa cadere il senso per disorientamento. L’incisione su vinile della voce dell’autore, intento a una enunciazione monocorde delle frasi che compongono il testo, si interseca infatti con un piano pittorico stabilito da un video e da un dittico fotografico. Nel video si assiste a una serie di studi lenti e molto ravvicinati del corpo nudo dell’autore, che per ore è rimasto seduto in pose statiche — ispirate all’immobilità straniante delle figure che compaiono in Bagnanti ad Asnières di Georges Seurat — ripreso rasente la pelle, e con una definizione che eccede quella dello sguardo umano, dalla telecamera di Angelo Marotta, che ha curato la cinematografia. La narratività esangue di queste inquadrature analitiche, contrasta con le due immagini fotografiche che inquadrano, in momenti successivi e dalla distanza imprecisata di un cannocchiale, due persone in barca su un lago.

La lettura del testo così spartita — tra la voce del disco, la figura umana ferma e muta, e le due foto che hanno l’aria di un avanzo di storia negata — si chiude con una dichiarazione teorica dell’autore in forma di asciutta parabola poetica, che immette nello spazio il dubbio di una questione filosofica, ispirata a Platone e a Diogene il Cinico, e alla dialettica tra discorso e gesto, e tra sistema e rivolta. Il risultato di una tale lettura non è il potenziamento di un eventuale carattere magnetico della parola, né una chiarificazione materiale dei contenuti del testo, per altro chiarissimi di per sé, ma invece la desiderata sottomissione di quel testo a una logica che gli è aliena — la logica degli sguardi soggettivi e delle apparenze quasi inespressive — capace di scoprire, del testo, potere e insufficienza.

Opere esposte

Michele Zaffarano, Periodo ipotetico (Centoventi più centoventi frasi quasi uguali), 2022, testo.

Michele Zaffarano, Periodo Ipotetico (Ad Anna), 2022, vinile 33 giri, 19’34’’, 20’06’’, registrato presso lo studio LUMI Lab edizioni musicali Roma, grazie a Michele Sganga, prodotto da Pasquale Polidori per Deposito solventi

Michele Zaffarano, Periodo Ipotetico, 2022, video, 57’30’’, pose statiche: Michele Zaffarano, cinematografia: Angelo Marotta, montaggio: Michele Zaffarano e Pasquale Polidori, prodotto da Pasquale Polidori per Deposito solventi

Michele Zaffarano, Senza titolo (Se non ti piace la vita), 2020, 2 fotografie, stampe ink jet fine art su carta cotone matte, 30 x 22,5 cm circa, Laboratorio Fotogramma 24 Roma

Michele Zaffarano, Senza titolo (Poetica in versi), 2014, testo in italiano e in traduzione inglese, tradotto da Mary Desmond, stampa digitale su carta, 2 fogli 29,7×21 cm

La mostra di Michele Zaffarano contribuisce a Specific Reading Conditions, il percorso operativo elaborato da Michele Zaffarano, Luciano Neri e Pasquale Polidori con l’intento di esplorare i significati, i modi e le possibilità effettive della lettura d’autore (il reading letterario) oggi.

Il titolo, che proviene da un manifesto di Ulises Carrión, indica e comprende due reading — basati su testi di Zaffarano e Neri, e realizzati in collaborazione con Polidori — che evadono dalle condizioni definite della lettura eseguita in pubblico da un autore, forzandone le dimensioni consuete, e aprendosi a esperienze di lettura che si svolgono nell’arco di un anno quasi, eseguite non solo dagli autori, in spazi pubblici e privati, perdendo le coordinate di inizio e di fine, variando la durata, il mezzo e la modalità esecutiva, e arrivando paradossalmente anche all’assenza di un pubblico.

Specific Reading Conditions è un progetto reso possibile dalla collaborazione tra DEPOSITO SOLVENTI, AOCF58 – Galleria BRUNO LISI e la Biblioteca di Lingue e letterature straniere moderne della Sapienza Università di Roma.

Altri appuntamenti in programma:

dal 18 febbraio al 4 marzo
Luciano Neri + Pasquale Polidori + Laboratorio Autoreverse, READING AUTOREVERSE, con Alessia Cipro, Chiara Dragone, Claudia Fabi, Alice Granata, Sonja Ilic
AOCF58 – Galleria BRUNO LISI, via Flaminia 58 Roma

17 febbraio
POMERIGGIO SPECIFIC READING CONDITIONS — Un tè in biblioteca, con Carmen Gallo, Luciano Neri, Gian Luca Picconi, Cesare Pietroiusti, Chiara Portesine, Irene Ranzato, Luigi Severi, Antonio Syxty e altri. A cura di Pasquale Polidori e Michele Zaffarano.
Biblioteca di Lingue e letterature straniere moderne, Sapienza Università di Roma, edificio Marco Polo, 2° piano, Circonvallazione Tiburtina, 4 Roma

Grazie a: Enrico Colantoni, Angelo Marotta, Michele Sganga, Lumi edizioni musicali Roma, Bibliotèq Tea Shop Roma, Tic Edizioni.

in collaborazione con  Galleria Tiziana di Caro, Piazzetta Nilo, 7 - Napoli

Simona Weller : Memorie dal passato

La mostra si compone di una serie di acquerelli su carta realizzati dall’artista a partire dal 2007. Il tema del “dipingere con le parole” ha connotato la sua ricerca fin dall’inizio, diversificandosi per stile a seconda del periodo.

Le parole sono scelte per la loro brevità e il loro particolare contorno, ma la natura di questi lavori ha una radice molto intima. Essi infatti sono legati a suggestioni nate dal ricordo di esperienze  familiari. Osservando i quaderni dei suoi figli Weller ne coglie la bellezza estetica, l’innocenza, la purezza e ne prende atto realizzando a sua volta delle carte organizzate proprio come quelle pagine scritte dai suoi bambini. L’artista ricorda il tratto della scrittura infantile facendo una riflessione non sul segno bensì sulla struttura dell’insieme, sull’aspetto formale del complesso delle parole che si distribuiscono sul foglio bianco. Alcuni dei versi che scrive sono inediti, altri di poeti come Giuseppe Ungaretti, del quale cita alcuni versi presi dal ciclo “Allegria di naufragi”. In queste opere Weller disegna le righe proprio come in un quaderno; queste la aiutano a disegnare  le parole, gli scarabocchi, i segni, e gli elementi di una scrittura elementare che distribuiti sul foglio rimandano ai quaderni che ognuno di noi ha scritto da bambino.

L’essenzialità dell’aspetto formale è enfatizzata dall’intensità del contenuto lirico in una composizione che non è semplicemente da guardare, ma anche da leggere. Alla riflessione poetica, si affianca quella diaristica, ma anche l’elemento esistenziale attraversa queste carte definendosi con grande semplicità e al contempo altrettanta efficacia.

Simona Weller è una pittrice nata a Roma nel 1940. Vive e lavora a Calcata (VT). La sua ricerca pittorica è da sempre affiancata da scrittura sia saggistica che letteraria.

Si diploma all’Accademia di Belle Arti con Ferruccio Ferrazzi e Mario Mafai. Dagli anni Sessanta si dedica assiduamente alla pittura e alla scrittura. Nel 1970 comincia ad insegnare discipline pittoriche.

Nel 1973 esordisce alla Quadriennale di Roma con grandi tele di pittura-scrittura. Nel 1976 pubblica il primo saggio italiano sulle artiste del XX secolo con il titolo: Il Complesso di Michelangelo.

Nel 1978 è invitata alla Biennale di Venezia e alla Biennale di San Paolo del Brasile. Tra le mostre più recenti ricordiamo: nel 2017, Magma, Body and Words in Italian and Lithuanian Women’s Art from 1965 to the Present, nel 2018, Il soggetto Imprevisto. 1978, Arte e Femminismo in Italia”, ai Frigoriferi Milanesi, nel 2022 “Ri-Materializzazione del Linguaggio, 1978-2022” alla Fondazione Antonio Dalle Nogare di Bolzano.

diciottesima edizione della Giornata del Contemporaneo – AMACI

Betty Danon, 1969 – 1979

La galleria Tiziana Di Caro inaugura una personale di Betty Danon, intitolata 1969 – 1979, la prima di una serie di mostre che saranno realizzate in collaborazione e ospitate a Roma da AOCF58, in via Flaminia 58, sabato 8 ottobre 20220 dalle ore 18:00 alle 21:00.

La mostra personale di Betty Danon è il risultato di una ricerca costante realizzata in stretta collaborazione con l’Archivio Danon di Osnago e raccoglie opere prodotte a partire dal 1969, anno in cui si fa risalire il primo collage mai realizzato. Danon era nata a Istanbul nel 1927. Nel 1956 si era trasferita a Milano dove ha vissuto il resto della sua vita.

Negli anni Sessanta segue una terapia junghiana e il testo “L’uomo e i suoi simboli” rappresenta il primo importante punto di riferimento per la sua produzione. Betty Danon elabora vere e proprie rappresentazioni cosmico – simboliche attraverso il collage, ritagliando e sovrapponendo, accostando e intersecando cartoni di diversi colori.

Nella dichiarazione di poetica che scrive nel 1972 si legge che il cerchio è “archetipo magico, eterno perfetto totale assoluto”.

Successivamente il cerchio si spezza per diventare “ombra-luce, conscio – inconscio, yin e yang”. Allo scomparire del cerchio subentra il quadrato, quindi il mandala che in sé rappresenta il cosmo attraverso la dialettica degli opposti.

Dopo una breve parentesi pittorica Betty Danon torna al collage riciclando scarti di nastro adesivo macchiati dai residui di acrilico grigio-celeste, che in precedenza erano stati utilizzati per tracciare le linee nei dipinti. Ne risultano opere in cui nell’alternarsi di segmenti paralleli sembrano intravedersi piccole porzioni di cielo: le “finestre di cielo” sono opere in cui la mimesi tra arte e realtà è generata attraverso un processo di casualità, che ben collima con l’intento dell’artista, il cui lavoro è oramai soggetto a un processo di astrazione che diverrà sempre più estremo.

“Col passare del tempo i due simboli, il cerchio e il quadrato, si assottigliano sempre più, finché del cerchio non rimane che il centro e del quadrato soltanto il lato: si riducono a punto e linea, due ele-menti minimalisti che mi adotteranno. Mi diverto a ridurre tutto a punto e linea. Per esempio modifico un nome proprio fino a ridurlo a “punto e linea”, là dove tutti i nomi si rivelano praticamente uguali, proprio come tutta la materia che li compone è riconducibile a pochi elementi essenziali”.

La teoria del PUNTO-LINEA converge in un libro d’artista del 1976,, per poi svilupparsi in quella che sarà la sua produzione più nota. Il punto e la linea sono infatti gli elementi cardine della scrittura musicale e infatti le “Partiture astratte” saranno il primo punto di arrivo di questa ricerca, che partendo dalla geometria, tende a rarefarsi sino a voler rappresentare il suono.

Le partiture astratte sono la sintesi di una fissità geometrica data dalle linee del pentagramma e la fantasia lirica resa attraverso un’esperienza gestuale fatta di movimenti veloci, precisi e al contempo vivaci. “Erano simulacri di scritture tracciate sul pentagramma, che si presentavano con una certa fluidità e apparente coerenza. Le consideravo come una manifestazione di una dinamica interiore, spontanea e assolutamente inimitabile”. (Betty Danon)

Ha lasciato volontariamente, negli anni ’80, i circuiti artistici convenzionali per condividere il suo lavoro con artisti di tutto il mondo attraverso Mail Art.

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sabato 8 ottobre – 31 ottobre

aderente alla DICIOTTESIMA EDIZIONE DELLA GIORNATA DEL CONTEMPORANEO

Betty Danon, 1969 – 1979

In collaborazione con Galleria Tiziana Di Caro Napoli

19/11/2022  – 21 dicembre

Simona Weller : Memorie dal passato

In collaborazione con Galleria Tiziana Di Caro Napoli

dal 23 gennaio al 12 febbraio

SPECIFIC READING CONDITIONS

Michele Zaffarano : PERIODO IPOTETICO

a cura di Pasquale Polidori

in collaborazione con DEPOSITO SOLVENTI: una specie di archivio

17 febbraio  dalle 14.30 alle 18.00

POMERIGGIO SPECIFIC READING CONDITIONS — Un tè in biblioteca,

con Carmen Gallo, Luciano Neri, Gian Luca Picconi, Cesare Pietroiusti, Chiara Portesine, Irene Ranzato, Luigi Severi, Antonio Syxty e altri. A cura di Pasquale Polidori e Michele Zaffarano.
Biblioteca di Lingue e letterature straniere moderne, Sapienza Università di Roma, edificio Marco Polo, 2° piano, Circonvallazione Tiburtina, 4 Roma

18 febbraio  dalle 10:30 alle 15:30

SPECIFIC READING CONDITIONS

Luciano Neri + Pasquale Polidori + Laboratorio Autoreverse: READING AUTOREVERSE

in collaborazione con DEPOSITO SOLVENTI: una specie di archivio

con  Alessia Cipro, Chiara Dragone, Claudia Fabi, Alice Granata, Sonja Ilic

dal 13 aprile all’5 maggio 2023

Matthew Smith: Ascension

a cura di Camilla Boemio

dal 13 al 26 maggio 2023

Zoè Gruni: Fromoso

a cura di Camilla Boemio

dal 5 al 23 giugno 2023

Olivier Marty: MAINS – PAYSAGE