Nell’osservanza del DPCM del 9 marzo 2020, che estende all’intero territorio nazionale la sospensione delle attività dei luoghi della cultura, già dichiarata per far fronte all’emergenza sanitaria in corso, la AOCF58 – Galleria BRUNO LISI, via Flaminia 58 – Roma è chiusa.

dal 10 al 28 febbraio  2020

A cura  di   Camilla Boemio

Testi critici  di Camilla Boemio e Helaine Glick.

FAST  è la prima mostra in Europa dell’artista americano MarcTrujillo.

I dipinti di Trujillo ritraggono scene quotidiane che avvengono nei non luoghi per eccellenza: i ristoranti fast food, i corridoi dei grandi magazzini, i lunghi corridoi terminali degli aeroporti. Le scene sono straordinariamente insignificanti. Nella loro natura onnipresente, i dipinti presentano un anti-luogo: scene che si riferiscono non a un luogo specifico, ma a tableau sorprendentemente simili che si svolgono ogni giorno nelle comunità in tutta l’America. Mentre Trujillo modella i suoi dipinti seguendo luoghi specifici, di solito nell’area di Los Angeles, le sue scene appaiono sorprendentemente simili alle relazioni degli spettatori con il commercio locale. I suoi dipinti criticano un segno distintivo del capitalismo moderno; che mira a ricreare esperienze commerciali identiche in tutta la nazione; fino ad omologare l’estero rendendolo un’estensione di una periferia Americana.

La mostra è composta dalla serie Drive-Thru Paintings e dai lavori della serie Combo, nella quale i sono ritratti i vassoi con gli alimenti.

La mostra è stata possibile grazie al supporto della Winfield Gallery, di Carmel by the Sea in California.

Marc Trujillo è nato ad Albuquerque, nel New Mexico, nel 1966, e vive a Los Angeles da molti anni, Trujillo insegna al Santa Monica College. Ha ricevuto il suo B.A. nel 1991 presso l’Università del Texas ad Austin e il suo M.F.A. nel 1994 dalla Yale University School of Art, dove ha ricevuto il premio Ely Harwood Schless Memorial Fund e l’Ellen Battell Stoeckel Trust Fellowship.

Nel 2001, Trujillo ha ricevuto il Louis Comfort Tiffany Foundation Award e nel 2008 ha ricevuto il Rosenthal Family Foundation Award in Art dall’American Academy of Arts and Letters.

Trujillo ha avuto numerose ed importanti mostre  sia sulla costa Atlantica che sulla costa del Pacifico degli Stati Uniti; hanno scrirtto delle sue mostre numerose testare d’arte tra le quali: Artforum, ARTnews, il Los Angeles Times e Artweek.

Camilla Boemio è una scrittrice d’arte, curatrice e teorica la cui pratica indaga l’estetica contemporanea; nel 2013 è stata curatrice associata di Portable Nation. Disappearance as work in Progress – Approaches to Ecological Romanticism , il padiglione delle Maldive alla 55.°Esposizione Internazionale d’Arte La Biennale di Venezia, dal titolo Il Palazzo Enciclopedico; nel 2016 è stata curatrice di Diminished Capacity, il primo padiglione della Nigeria alla XV Mostra Internazionale di Architettura, con il titolo Reporting from the Front. Nell’Agosto del 2018; è stata invitata a prendere parte al progetto VVM alla Tate Exchange, una sezione che si occupa di arte, società e politica alla Tate Modern di Liverpool.

Fa parte della AICA (International Association of Arts Critics). Le sue recenti pubblicazioni sono: ROAR a cura di Rosanna Greaves e Marina Velez edito dalla Cambridge University of Arts, e As Brilliant As the Sun che ricostruisce un inedito viaggio artistico tra la California e Roma, pubblicato da Vanilla Editori.

dal 9 dicembre 2019 prorogata fino al 20 gennaio 2020

Davanti una giostra a Dorgali in Sardegna nel 1976, durante una festa di paese a Pineto in Abruzzo nel 1973, a San Lorenzo a Roma nel 1972 “i bambini ci guardano”. Come nel film di Vittorio De Sica che abbandona il cinema del feuilleton, anticipa il neorealismo nel 1943 per descrivere i drammi della gente comune e la condizione dell’infanzia con un capolavoro che avrebbe dato il via ad uno sguardo dal vero, quello che vedono gli occhi dei bambini fotografati da Claudio Bassi mostra la condizione di chi è privato dell’infanzia, la curiosità per la vita, il lavoro, il tempo libero ma raccontano molto di più. E come in un cinema, Claudio Bassi ci conduce in “Seconda Visione”… Titolo della mostra fotografica realizzata in bianco e nero che illumina sulla vita di una nazione e di una città come Roma, un quartiere storico come San Lorenzo, il lavoro minorile, il gioco e i tratti dei volti dei bambini allora così uguali a quelli degli adulti e così diversi da quelli che siamo abituati a vedere oggi nella società post-consumista.  Sono immagini dense di significato quelle realizzate da Bassi, fotografo e stampatore.

C’è il lavoro nelle sue espressioni più comuni: il calzolaio, il venditore di ferro e quello delle donne, poi c’è il Mezzogiorno e le monache “turiste per caso” nella città eterna che comprano un rosario da un ambulante. La scalinata di Trinità dei Monti fa da sfondo a una pausa di una turista stanca, a via Condotti un bambino si copre gli occhi dallo sguardo di chi cerca di penetrare nella sua anima con una Leica e un obiettivo da 50 mm, lui però non vuole essere fotografato. Ad Orgosolo in Sardegna nel 1976 Bassi fotografa i murales, mentre a Roma la sopraelevata che cambia la prospettiva della città. E poi c’è il Carcere di Santo Stefano “Reparto Ergastolo Ordinario” è scritto sui muri, e inoltre: “La libertà non si può togliere a nessuno”. Lo ha fotografato nel 1975, “Qui finisce la giustizia degli uomini, qui comincia la giustizia di Dio”, dichiara una epigrafe. A Ventotene Bassi ha immortalato in alcuni click un funerale proprio come si faceva un tempo: sono immagini di rara intensità.

Nato a Roma, nel quartiere San Lorenzo il 31 maggio 1945, Bassi fotografa col cuore. Con la sua Laica ne ha “descritto” la luce, i colori, i costumi, la storia di quello che è sempre stato magicamente il suo luogo. “Mi ero comprato la Leica con un obiettivo 50 mm, dice, e andavo in giro per Roma a fotografare in maniera semplice, riprendendo quello che vedevo attorno a me. C’erano donne, uomini e bambini che lavoravano, se poi mi addentravo nel centro storico, osservavo i turisti cercando di fotografare quanto di più bizzarro e di stravagante incontravo. Ma il filo conduttore dei miei scatti è il mondo delle persone semplici. Per questo la mostra si chiama “Seconda visione”, come al cinema: c’è la prima visione e poi noi, gente semplice che si riconosce in quello che fa, in ciò che vede attorno: è questo che ho cercato di immortalare, le persone che negli anni settanta andavano in seconda visione”.

Strano destino quello di un uomo semplice che ha incontrato con il suo lavoro i più grandi fotografi e registi di tutti i tempi…Bassi è uno dei più importanti “stampatori” dei più grandi fotoreporter internazionali, Mario Dondero, Tano D’Amico, Gianni Giansanti, Sergio Strizzi, Vezio Sabatini, Paola Agosti, Donata Pizzi, Massimo Cappellani, Gabriella Mercadini gli hanno affidato i loro scatti d’autore per scoprire il carico di ricchezza di ogni immagine, testimonianza di un artigiano della fotografia, come lui ama definirsi, consapevole che la forza dell’immagine risiede nella sfumatura dei grigi e nell’intensità del nero. Ma Bassi è uno specialista del settore che controlla le inquadrature, apporta tutti i miglioramenti possibili al negativo in camera oscura. Qualche anno fa ha pubblicato un libro fotografico con l’editore Ceribelli “Quaderno fotografico”, che riassume la sua professione, lui direbbe il suo essere artigiano della fotografia.

L’inizio della sua professione fa data 1961, quando il cuore gli battè forte forte perché era stato assunto come apprendista nell’agenzia fotografica Telefoto.

Da allora ha lavorato nella fotografia e nel cinema, collaborando anche con registi del calibro di  Franco Rosi, Elio Petri, Giuseppe Tornatore, Matteo Garrone, oltre che con quotidiani e riviste. Dal suo laboratorio sono passate le foto di scena del film di Roberto Benigni, La vita è bella. Le sue abili mani immerse nelle bacinelle dai sali d’argento hanno dato vita all’incanto di quelle immagini.

Dal 2014 collabora con Fotogramma 24 di Marco Bugionovi e Simona Bugionovi. Dove da poco è arrivata anche Francesca Oro. Tutti i suoi amici si sono stretti attorno a lui per sostenere questo progetto e Bassi li ringrazia di cuore. Ora, dal 9 dicembre 2019 e fino al 3 gennaio 2020, Bassi espone la sua opera artistica rigorosamente in bianco e nero, 70 immagini ai sali d’argento formato 13×18 montate su cartoncino bianco da Francesco Fiammeri, più tre maxi stampe del formato 40×60 con effetto pennellato, alla galleria Bruno Lisi di via Flaminia 58, che raccoglie artisti, architetti, pittori, scultori ed è un angolo di luce nel cuore di Roma. Come a via Margutta in Vacanze Romane, gli studi degli artisti appollaiati su una scalinata ospitano dipinti, sculture, fotografie opere d’arte, una nicchia nascosta tra i Palazzi romani dove si produce arte e si crea bellezza.

Anche la scelta della location è per Bassi sintesi di una vita dedicata all’arte e all’amore per la fotografia.

Quando le tele 40 x 20 cominciarono ad accumularsi, il titolo dell’opera di Beckett divenne sempre più potente senza che io ne capissi il significato. Il carattere assurdo, ossessivo, patetico, a volte comico e profondamente umano della commedia di Beckett mi aveva fortemente segnato quando l’avevo vista nella mia adolescenza. Oggi mi interessa di più la forma dell’opera, con il suo numero di scene imprevedibili, come se ci fossero altre scene e altre ancora senza sapere dove dovrebbe condurci.  L’unico conto possibile nell’opera di Beckett è quello delle due date, una sulla prima pagina e l’altra sull’ultima.

Come riferimento a Beckett, il primo dipinto della serie ha una data sul dorso e l’ultimo dipinto un’altra data.

In pittura, che si tratti di un’opera seriale o meno, sembra che il prossimo quadro, certamente in dialogo o in risposta a quanto sopra, dovrebbe essere sempre nuovo, più vicino a ciò che stiamo cercando, diverso e ancora più vero. È così che si continua di tela in tela per ascoltare questa attesa.

Nel lavoro in process, in particolare nel lavoro seriale, la pittura si genera secondo una logica propria, tra ripetizioni e variazioni, continuità e rotture, formando un insieme coerente nella sua diversità e unità. I colori, i tocchi, i gesti ritornano inevitabilmente ma anche si contraddicono a vicenda, provocando la nuova tela, quella che speravamo, l’inatteso – atteso, l’evento tela per la sua unicità, la sua evidenza, quella che dà senso alla tela della porta accanto ma anche al tutto. Infine, come le scene della commedia di Beckett, è sempre quella che ci aspettiamo e che dovrebbe avere senso. Eppure non succede davvero nulla. Senza dare chiavi di lettura, è il processo che ha senso, consegnando il tutto al nostro sguardo errante. Il dialogo è molto tra due dipinti come nel gioco di Beckett tra Pozzo e Lucky, ma questo dialogo dà vita ad altre scene, altri dialoghi, altri dialoghi, dialoghi dell’attesa. Aspettiamo Godot, aspettiamo la tela che dovrebbe venire e infine sono tutti i dialoghi, il loro clima di incertezza e fragilità a dominare.

PRESS RELEASE 2

Venue                         AOCF58 – Galleria BRUNO LISI, via Flaminia 58 – Roma (metro A line, Flaminio stop)

Artist                           CLAUDIE LAKS

Title                            Aspettando Godot

Opening                      Monday 11th November, 6 pm

Period                         from 11th to 29th November 2019

Timetable                   from Monday to Friday, 4.30 – 7.00 pm (closed on Saturdays and public holidays)

When the 40 x 20 cm canvases started gathering up, the title of Beckett’s work became more and more powerful without me understanding its meaning. The absurd, obsessive, pathetic, sometimes comic and deeply human character of Beckett’s comedy left a strong mark on me when I saw it as a teenager. Today I am more interested in the form of the work – with its number of unpredictable scenes, as if there were more and more scenes, without knowing where it should lead us. The only possible count, in Beckett’s work, is the one of the two dates, one on the first page and the other on the last.

As a reference to Beckett, the first picture of the series has a date on the back, and the last has another date.

In painting, whether it is a serial work or not, it seems that the following picture, certainly in dialogue with or in response to what came before, should always be new, nearer to what we are looking for, different and even truer. It is the way we continue, from picture to picture, in order to pay attention to this wait.

In the in process work, especially in serial work, painting generates itself following its own logic, between repetitions and variations, continuities and breaks, forming a totality, coherent in its diversity and unity. The colours, the strokes, the gestures unavoidably return, but they also contradict each other, provoking the new canvas, the one we hoped, the unexpected-expected, the “painting” event due to its unicity, its evidence, which gives sense to the next-door picture but also to the whole. Eventually, like the scenes of Beckett’s comedy, it is always what we expect and which should make sense. Yet, nothing happens. Without giving interpretations, the process is what makes sense, delivering the whole to our wandering gaze. The dialogue is much between two paintings as in Beckett’s game between Pozzo and Lucky, but this dialogue gives birth to other scenes, more dialogue, more dialogue, dialogues of the wait. We wait for Godot, we wait for the picture that should come and, in the end, all of the dialogues, their uncertainty and weakness, dominate.

AMACI  Evento organizzato in occasione della Quindicesima Giornata del Contemporaneo

Valentina Colella torna a Roma con il 5° capitolo del suo progetto internazionale Dove dormono le stelle.

Where the stars sleep è un’opera in divenire sotto l’influsso del sogno e della disillusione.

Come in tutta la sua ricerca anche più intima legata al volo, alla morte e alla vanitas, Valentina Colella lotta tra gli opposti, ma si pone nel qui e ora, cercando la soluzione in questa installazione non per sé stessa, ma per offrirla agli altri che diventano il catalizzatore dell’energia che ogni scultura luminescente ha in serbo.

Le stelle dormono mentre noi siamo svegli, le stelle sono poste a terra e pronte ad essere macchina dei sogni per i fruitori dell’installazione sempre in progress.

Per ogni capitolo, la combinazione di colore e forma diviene la caratteristica strutturale che differenzia ciascuno dei luoghi prescelti. L’opera è percepita come uno spazio di luci e colori, quasi a smaterializzare in un primo momento le sculture poggiate sul pavimento, creando un coinvolgimento atemporale in tutta l’area circostante. Il pubblico diventa così parte integrante dell’opera non potendo evitare le proiezioni addosso.

Nei luoghi con cui entra in contatto l’artista seleziona, secondo metodi dettati dalla coincidenza e non, una forma essenziale che rappresenti la stella da riprodurre in multipli di 29 sculture.

I 4 capitoli finora realizzati sono:

- Capitolo I, 2016, Introdacqua, Italia,

[Installazione Museo Laboratorio Città Sant’Angelo, Italia], 145 stelle

- Capitolo II, 2017, Capo di Buona Speranza, Sudafrica,

[Installazione Everard Read Gallery Cape Town, ZA], 87 stelle

- Capitolo III, 2018, Montevideo, Uruguay,

[Installazione AIR Casa Madreselva, Montevideo, Uruguay], 145 stelle

- Capitolo IV, 2018, Milano, Italia

[Installazione AMY-D Gallery, Milano, Italia], 116 stelle

L’idea è nata nel 1990 quando l’artista aveva 6 anni e passeggiava sul Monte Playa (Introdacqua, AQ, dove vive, passeggia e lavora), riferimento latitudine 42.0115000885795, longitudine 13.9054298400879. Ancora oggi scavando è possibile trovare delle formazioni calcaree sferiche come racconta Valentina: «Sin da piccola ho pensato che i geoidi fossero stelle cadenti arrivate sulla terra dopo la realizzazione di un desiderio. Non ho mai cambiato idea».

Il progetto espositivo prevede un evento, a cura di Anna Amendolagine (già Direttore dell’Istituto Italiano di Cultura di Pretoria), che avrà luogo il 26 ottobre 2019, a partire dalle ore 18:00.  Nel corso dell’evento, inserito nell’ambito della Rome Art Week – RAW 2019,  i visitatori saranno invitati a scegliere una stella, esprimere un desiderio e portare via la scultura con sé.

Where the stars sleep è stato possibile fino ad oggi grazie a:

Istituto Italiano di Cultura Colonia, Germania,

Istituto Italiano di Cultura Pretoria, Sudafrica. Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale,

Consolato Italiano, Città del Capo, Sudafrica.

Centro Documentazione Artistica Contemporanea Luigi di Sarro, Roma.

Museo Laboratorio, Ex-Manifattura Tabacchi, Città Sant’Angelo, Pe.

Comune di Introdacqua, Aq. Provincia dell’Aquila.

Fondazione Cassa di Risparmio della Provincia dell’Aquila. Museo Regionale dell’Emigrante, Introdacqua, Aq.

AIR Madreselva, Montevideo, Uruguay.

ARP Art Residency Project, Italia/Sudafrica.

Galleria Amy-d Arte Spazio, Milano.

Galleria Everard-Read ,Città del Capo, Sudafrica.

Galleria Circa Johannesburg, Sudafrica.

Associazione Futura, Introdacqua, AQ.

Associazione Ottovolante, Bologna.

Ruth Prowse School of Art, Città del Capo, Sudafrica.

Banca BPER. Raimbow Media team.

.

Where the stars sleep

Valentina Colella comes back to Rome with the 5th chapter of her international project Dove dormono le stelle, “where the stars sleep”.

She pays a tribute to the capital, in collaboration with AOCF58 Galleria Bruno Lisi (a collaboration initiated in 2011) and Accademia delle Belle Arti: the students of professor Varone, chair of techniques of sculpture were also involved in the project.

Where the stars sleep is an ongoing project under the influence of dream and disillusion.

As throughout her whole, even more intimate research, associated to flight, death and vanitas, Valentina Colella fights between opposites, but she places herself in the here and now, seeking a solution by this installation. It is a solution not so much for herself, but an offer for others, who become the catalysts of the energy embedded in every luminescent sculpture.

The stars sleep while we are awake, the stars are placed on the ground and ready to become a dreaming machine for the audience of the ever in progress installation.

For every chapter the combination of colour and shape becomes the structural characteristic which distinguishes each chosen location. The work is perceived as a space of lights and colours, as if almost to dematerialise the sculptures placed on the floor, creating a timeless involvement in all the surrounding area. Visitors thus become an integral part of the exhibition as their bodies cannot avoid the projection of lights.

In the locations in which the artist decides to present her work, she displays, according to methods dictated sometimes by coincidence and sometimes not, an essential shape representing a star to be reproduced in multiples of 29 sculptures.

The chapers realised until now are 4:

- Chapter I, 2016, Introdacqua, Italia,

[Installation Museo Laboratorio Città Sant’Angelo, Italia], 145 stars

- Chapter II, 2017,  Cape of Good Hope, South Africa,

[Installatione Everard Read Gallery Cape Town, ZA], 87 stars

- Chapter III, 2018, Montevideo, Uruguay,

[Installation AIR Casa Madreselva, Montevideo, Uruguay], 145 stars

- Chapter IV, 2018, Milano, Italia

[Installation AMY-D Gallery, Milano, Italia], 116 stars

The idea was born in 1990 when the artist was six years old and was walking on Mount Playa (Introdacqua, AQ, where she lives, takes walks and works), latitude 42.0115000885795, longitude 13.9054298400879. Digging, today it is still possible to find sphere-shaped lime deposits, as Valentina states: “since I was young I always thought that geoids were shooting stars which fell on Earth after a dream came true. I never changed my mind.” 

Where the stars sleep has been made possible thanks to:

Istituto Italiano di Cultura Cologne, Germany,

Istituto Italiano di Cultura Pretoria, South Africa. Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale,

Consolato Italiano, Cape Town, South Africa.

Centro Documentazione Artistica Contemporanea Luigi di Sarro, Roma.

Museo Laboratorio, Ex-Manifattura Tabacchi, Città Sant’Angelo, Pe.

Comune di Introdacqua, Aq. Provincia dell’Aquila.

Fondazione Cassa di Risparmio della Provincia dell’Aquila. Museo Regionale dell’Emigrante, Introdacqua, Aq.

AIR Madreselva, Montevideo, Uruguay.

ARP Art Residency Project, Italia/South Africa.

Galleria Amy-d Arte Spazio, Milano.

Everard-Read Gallery, Cape Town, South Africa.

Circa Gallery Johannesburg, South Africa.

Associazione Futura, Introdacqua, AQ.

Associazione Ottovolante, Bologna.

Ruth Prowse School of Art, Cape Town, South Africa.

Banca BPER. Rainbow Media Team.

The exhibition includes an event curated by Anna Amendolagine (already Director of Istituto Italiano di Cultura in Pretoria) which will take place on october 26 2019, from 6pm. During the event, which is part of the Rome art week – RAW 2019, visitors will be invited to choose a star, make a wish and take the sculpture home with them. 

lunedì 1 luglio 2019 ore 17.30

a cura di     Camilla Boemio

L’artista per la prima volta espone in Italia. Per questa performance dialogherà con il pubblico per realizzare, con coloro che saranno interessati, un proprio quechquemitl che potrà essere indossato e/o collocato sul muro della galleria fino a comporre un installazione partecipativa.

Il quechquemitl è un indumento della tradizione preispanica disegnato ed indossato dalle etnie indigene in Messico. Di solito consiste in due pezzi di stoffa rettangolare, spesso intrecciati a mano, che sono cuciti insieme per formare un poncho o uno scialle, che di solito è appoggiato sulle spalle.

Per la performance il suo design sarà più minimale e avrà le spalle più accentuate, conferendogli un accento futuristico, come gli abiti di fantascienza indossati dai protaginisti di Star trek o dai Jetsons.

L’azione di De Anda sarà di trascorrere un pomeriggio, di circa tre ore,  nella galleria fornendo la carta decorativa e il tessuto al pubblico in modo tale da potere creare e decorare insieme il proprio Neo-Quechquémitl come un souvenir. Indossato durante l’evento, diventerà un accessorio colorato e visivamente fashion ed un complemento multiculturale nella città.

Neo-Quechquémitl affronta gli atteggiamenti pregiudizievoli e anti-immigrazione di Donald Trump contro i popoli del Messico, dell’America centrale e dell’America Latina.

Neo-Quechquémitl celebra lo sfarzo, lo spettacolo delle cerimonie della cultura indigena precolombiana del centro e del sudamerica. L’artista non solo ne illustra il potenziale della tradizione folcloristica, ma ne introduce la forza di contributo alla cultura influente del presente con una proiezione verso il futuro e le nuove visioni del mondo. Questa idea abbraccia la celebrazione dell’evoluzione di culture importanti del passato inglobandone il loro viaggio nel futuro. Profondamente ispirata alla ricerca dell’artista, è anche il monitoraggio verso l’esperienza delle nuove culture in costante sviluppo a Los Angeles (la città dove risiede l’artista), ma anche rivolto a quelle non ancora previste ed in via di crescita nel confine tra gli Stati Uniti e il Messico.

La performance rifletterà sui nuovi modelli di coesistenza, di pratica sociale, suggerendo dei concetti alternativi di arte, le cui visioni alternative riflettono nella città e nelle sue comunità in divenire.

Ismael de Anda (b. El Paso, Texas) vive a lavora a Los Angeles, California, USA.

De Anda è stato premiato, nel 2010, con il Japan-United States Arts Program Fellowship dell’Asian Cultural Council per osservare e confrontare/sviluppare gli Obon giapponesi con i riti messicani del Dia de los Muertos e partecipare alle attività d’arte contemporanea in tutto il Giappone.

Elenchiamo le sue mostre e I suoi progetti museali: La Estacion de Arte Contemporáneo, Chihuahua, Mexico; Outpost for Contemporary Art, Highland Park, CA; Avenue 50 Studio Annex, Highland Park, CA; Youkobo Art Space, Tokyo, Japan; Las Cienegas Projects, CulverCity, CA; The Marfa Book Company, Marfa,Texas; and has participated in various group shows held at the Orange County Center for Contemporary Art, Santa Ana, CA; Shoshona Wayne, Santa Monica, CA; Sumida Riverside Hall Gallery, Asakusa, Tokyo, Japan; Meridian Gallery, San Francisco, CA; Torrance Art Museum, Torrance, CA; Side Street Projects, Pasadena, CA; Armory Center for the Arts, Pasadena, CA; and Wintergarten, Vienna, Austria.

Camilla Boemio è una scrittrice d’arte, curatrice e teorica la cui pratica indaga l’estetica contemporanea; nel 2013 è stata curatrice associata di Portable Nation. Disappearance as work in Progress – Approaches to Ecological Romanticism , il padiglione delle Maldive alla 55.°Esposizione Internazionale d’Arte La Biennale di Venezia, dal titolo Il Palazzo Enciclopedico; nel 2016 è stata curatrice di Diminished Capacity, il primo padiglione della Nigeria alla XV Mostra Internazionale di Architettura, con il titolo Reporting from the Front. Nell’Agosto del 2018; è stata invitata a prendere parte al progetto VVM alla Tate Exchange, una sezione che si occupa di arte, società e politica alla Tate Modern di Liverpool. Nel 2017, ha curato Delivering Obsolescence: Art Bank, Data Bank, Food Bank, un Progetto Speciale della 5^th Odessa Biennale of Contemporary Art.

Fa parte della AICA (International Association of Arts Critics).Boemio ha scritto e curato libri; ha contribuito con saggi e recensioni a varie pubblicazioni internazionali, scrive regolarmente per le riviste specializzate, e i siti web; ha tenuto parte a simposi, dibattiti e conferenze in musei e festival internazionali.